L'Alligatographe

Carnage

2012-01-19T14:57:00.003+01:00

2011

Cinéaste:Roman Polanski
Comédiens:Jodie Foster -Kate Winslet -Christoph Waltz -John C. Reilly -Elvis Polanski -Eliot Berger

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Même si je lui préfère de beaucoup son devancier "The ghost writer", j'ai apprécié assister à cette sympathique comédie de mœurs acide de Polanski... ou de Yasmina Reza, devrais-je dire, tant le style et la structure même rappelle immanquablement l'une de ses plus célèbres pièces, "Art". J'ai lu une autre pièce de cette dramaturge dont le souvenir reste trop nébuleux, mais le ton percutant me reste en mémoire. J'ai lu "Art" puis je l'ai vu jouer il y a une dizaine d'années. Aussi les liens entre la pièce et ce film apparaissent-ils d'une manière très nette, très précise.

En effet, Reza reprend son joujou préféré : mettre un certain nombre de personnes dans une lieu clos, les agiter suffisamment pour que toutes leurs rancœurs, tous les problèmes irrésolus et qu'ils mettent tant d'ardeur à tasser sous le tapis leur pètent à la gueule assez rapidement.

Le jeu consiste pour les auteurs (j'inclus bien entendu Polanski et sa direction d'acteurs impeccable, ainsi que sa mise en scène précise) à tenir ce récit, ce progressif et délicat craquement du vernis bourgeois afin de laisser libre cours à la vérité des personnages, triste, pleine de souffrances, d'absence, de frustration, dans un éclat vulgaire, une explosion grotesque et libératoire, mais pas forcément heureuse. C'est une liberté trop coûteuse, qui n'aboutit pas à l'acceptation de soi. On n'est pas dans la progression de la psychothérapie, ni même les voluptés de la catharsis, non, non : il y a toujours quelque chose de pourri dans le royaume, la couronne n'en finit pas de vaciller. A la fin du film, les personnages paraissent affaissés, vidés de leur sang. La pièce est un champ de bataille et les étendards sont au sol.

Il est vrai que les personnages partent de tellement loin qu'on est juste heureux qu'ils parviennent à ce degré de rage, sans doute aussi parce que ce miroir caustique parle à tout le monde. Personne n'échappe aux carcans policés de la civilisation et il y a là quelque chose de ludique, voire jouissif, à regarder ces visages se déformer de colère, de dégoût et de désespérance.

D'autant plus que les 4 acteurs assurent le spectacle. J'avoue ma préférence pour Christoph Waltz dont le cynisme machiste et obséquieux se révèle d'une saveur toute particulière en face de la bien-pensance de Jodie Foster par exemple. Malgré tout ce que je viens d'énoncer, je vois bien pourtant combien le propos peut se révéler fort cruel. Et je comprendrais que certains en soient heurtés. M'enfin, j'ai pris beaucoup de plaisir.

Kate Winslet

est une actrice chef d'œuvre et John C. Reilly est tout bonnement un de ces gros mammouths pleins de finesse cachée dont il semble incongru de se priver. Je les aime beaucoup.

J'ai un peu plus de mal avec Jodie Foster, mais sur ce film, elle est excellente. Je serais bien incapable de trouver quoique ce soit à lui reprocher.

Un film d'acteurs, filmé avec un rythme parfait et une caméra très proche, toujours attentive à la subtilité de jeu des comédiens, ne peut pas être un mauvais film. En fin de compte, je me retrouve avec un autre film de Polanski que j'aime! Deux fois de suite, si cela doit devenir une règle, il va me falloir revoir tous les Polanski qui m'ont déplu par le passé!

La messa e finita

2012-01-17T14:50:00.004+01:00

1985
Alias: La messa è finita
Alias: La messe est finie

Cinéaste:Nanni Moretti
Comédiens:Nanni Moretti -Ferruccio De Ceresa -Enrica Maria Modugno -Luisa De Santis -Dario Cantarelli -Marco Messeri

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Un des premiers Moretti, un tout jeune Nanni Moretti et sans doute faut-il y voir quelques défauts de jeunesse dans le montage et dans le scénario car le film tourne en rond à l'heure de jeu. Certaines scènes (notamment la rixe pour la place de stationnement) sont nettement dispensables. Quelques longueurs ici ou là affaiblissent la lecture d'un récit pas toujours évident et précis. Le public peut s'y perdre à suivre toutes ces historiettes annexes qui viennent perturber ce pauvre prêtre en pleine dépression.

A la fin du visionnage, j'étais perplexe. A travers cette déclinaison de personnages divers qui viennent un à un élargir la faille intime du personnage joué par Moretti lui même, qu'est-ce que le cinéaste veut nous signifier?

Est-ce l'inextricable sac de nœuds auquel l'Église, la foi, la place de Dieu dans nos sociétés occidentales se trouvent confrontés qui est ici décrit? Ce prêtre se trouve-t-il face à un mur d'incompréhension constitué brique par brique par les milles et une névroses que les humains, devenus de nos jours des individus à part entière, posent là devant ses yeux inaptes à les voir autrement que comme des sacrilèges d'impies? Est-ce l'inaptitude des religieux à comprendre le monde actuel? Est-ce l'extrême difficulté qu'on beaucoup d'entre nous à accepter que la planète tourne, que les comportements évoluent?

On a en effet la nette vision d'un homme ébranlé par le fait que le monde qu'il a connu a cessé d'exister. Les églises se vident, les curés quittent leur sacerdoce pour fonder des familles, les femmes veulent avorter, les papas abandonnent les foyers et les mamans s'éteignent. Tout s'écroule autour de lui dans un insupportable chaos. Il ne parvient pas à s'inscrire dans aucun des mouvements du monde, que ce soit dans une partie de foot avec des gamins ou lors d'un procès au tribunal : il est comme déconnecté de l'univers des hommes. C'est assez bien fait.

Souvent je me suis enthousiasmé, reconnaissant par ici la pirouette scénique, le style faussement froid, plein d'humour de Moretti, mais dans la dernière demi-heure, on a tôt fait de ressentir une certaine lassitude. Le film se répète. On a compris. Certaines scènes paraissent alors trop longues. C'est dommage.

Un film inégal, une tentative pas toujours heureuse.

Trombi:
Marco Messeri:

Ferruccio De Ceresa:

Margarita Lozano:

Enrica Maria Modugno:

Dario Cantarelli:

Giovanni Buttafava:

Luisa De Santis:

Eugenio Masciari:

Vincenzo Salemme:

Luigi Moretti:

Roberto Vezzosi:

L'exercice de l'Etat

2012-01-09T10:43:00.002+01:00

2011
Alias: L'exercice de l'État

Cinéaste:Pierre Schöller
Comédiens:Olivier Gourmet -Michel Blanc -Zabou Breitman -Laurent Stocker -Jacques Boudet -Sylvain Deblé

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Je suis déçu dans la mesure où je ne pensais pas que le propos du film serait d'une telle banalité. "Faire de la politique corrompt les hommes ; même ceux qui paraissent les plus intransigeants, sont à la merci de vendre leur âme pour conserver ce pouvoir si chèrement acquis" : voilà en gros le postulat du scénario. Et ma foi, je ne crois pas être un horrible cynique en disant que ce discours est assez convenu, archi connu, et dit, et répété depuis la nuit des temps.

Alors certes, je n'irais pas jusqu'à dire que le film est mauvais, loin de moi cette pensée car les acteurs sont formidables, la mise en scène est bonne également.

D'autre part, si l'idée me semble faible, au moins est-elle présentée avec finesse : le changement politique et moral que connait le personnage d'Olivier Gourmet est traité avec réalisme et subtilité, tout en douceur, tout en crédibilité.

Évidemment, avec un acteur de cette envergure, le défi est plus facile à relever. Olivier Gourmet est un très grand acteur qui n'impose pas seulement son physique de bucheron et sa voix de stentor. Jaillit de son jeu une justesse époustouflante. J'ai d'ores et déjà beaucoup d'admiration pour ce type.

Dans un rôle un peu plus court que par le passé, Michel Blanc fait une prestation remarquée dans un personnage plus réservé, presque mutique, un fervent admirateur d'André Malraux et donc, finalement, le représentant d'une vision politique que de nos jours on voudrait croire plus morale, plus haute, plus honnête et désintéressée, plus pure peut-être et qui appartiendrait par conséquent à un passé lointain, révolu... On touche là au mythique. De quoi donner l'envie d'être cynique ou misanthrope. Miroir sans concession de sa propre fêlure pour celui d'Olivier Gourmet, ce personnage est donc extrêmement important. Michel Blanc le tient parfaitement.

La mise en scène réserve quelques agréables surprises, de l'inattendu heureux pour le spectateur, relançant l'intérêt pour le devenir des personnages, leurs trajectoires. Avec une direction d'acteurs convenable, le film trace sa route avec sobriété.

Non, le problème pour moi ne se situe pas là, mais bien dans la portée de cette histoire trop anodine, trop conventionnelle en fin de compte. Tout ça pour ça.

Die hard

2012-01-05T16:14:00.002+01:00

1988
Alias: Piège de cristal

Cinéaste:John McTiernan
Comédiens:Alan Rickman -Bruce Willis -Bonnie Bedelia -William Atherton -Hart Bochner -James Shigeta

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En revoyant ce film pour la 114e fois, je n'arrêtais pas de me dire à quel point John McTiernan est un cinéaste génial. Je lui vouerais volontiers un culte à ce type-là. Dans le genre étroit du film d'action, ce "Die Hard" se pose là, comme un monument!

La précision de la mise en scène est pour le moins époustouflante. L'invention dont fait preuve son metteur en scène place le film sur le podium des 3 meilleurs films d'action que j'ai vu. Je me demande même si ce n'est pas LE meilleur, tout bêtement. Après l'avoir vu tant et tant de fois, je n'ai toujours à déplorer aucune usure, aucun scorie, aucun motif à chouiner. Bien au contraire, je prends un plaisir presque enfantin à redécouvrir ce chef d'œuvre, un délice au tempo millimétré, à l'équilibre parfait.

Il ne me reste plus qu'à dégoter le film au format blu-ray et je pourrai profiter au maximum de cet exceptionnel habillage dont McTiernan sait à merveille parer son film : l'hymne à la joie censé représenter le snobisme du groupe terroriste européen porte très mal son nom. Un certain nombre de très profondes fosses au fond de l'océan Atlantique sépare les deux continents. Le scénario s'amuse à fustiger la condescendance des Européens à l'égard des Américains. Le fossé culturel s'élargit dans le fracas des armes, mais les mots et les allusions également constituent matière à rabaisser l'autre, le sauvage ou le guindé. L'orgueil démesuré de Hans (Alan Rickman) est une cible privilégiée qui pimente l'affrontement avec John McClane (Bruce Willis).

Bien entendu, le film charrie son lot de bonnes grosses ficelles, notamment le problème de couple que l'intrigue va se charger de régler dans les explosions et les tirs d'uzis ou bien la charge ultra-violente qui s'attache à la moindre scène d'action.

Les coups de poing évoquent le tabassage de barbaques dans les abattoirs à la mode Rocky Balboa. Les corps sont maltraités, ça se coupe, ça saigne, on a mal. Et le héros souffre et le spectateur serre les dents pour lui. Comme le dit le titre espagnol, il est dur à tuer.

Les dialogues n'emportent pas toujours la mise mais à certains moments ils parviennent à donner ce petit coup de pouce pour créer quelque peu l'atmosphère. Une once de légèreté dans un monde de brutes et le film reprend de l'altitude.

Je ne sais pas si c'est l'unicité du lieu, mais cette espèce de huis-clos dans la tour condense les appréhensions. L'unité de temps sur une soirée appuie cette sensation de course, où le temps est raccourci, haletant. Cette configuration scénaristique est tellement bien conduite que le récit apparait d'une évidence, d'une fluidité extraordinaire, qui décuple le plaisir à le suivre.

Film consubstantiel américain où un banal type devient un super-héros pour retrouver sa famille dans la violence et le mot cool approprié, liant New-York et Los Angeles, les USA et le Japon, Beethoven et Run DMC, blancs et noirs, ce "Die hard" est si bien potelé qu'on mord dedans avec avidité et que le jackpot poussera tout le monde à produire par la suite trois autres exemplaires, plus ou moins folichons.

Un dernier mot sur les deux héros du film : Alan Rickman d'abord, un anglais pur jus dont la face altière épouse à la perfection la vanité de son personnage, est un méchant gigantesque de perfidie et l'impose au pinacle des "mauvais garçons" de l'histoire du cinéma. Si! Chapeau bas!

Face à lui, Bruce Willis
ferait presque pale figure. Oh, ce serait exagéré que ça ne m'étonnerait qu'à moitié! Découvert pour ma part sur la petite lucarne de mon adolescence face à la blonde Cybill Shepherd, dans "Clair de lune", une série un peu folle et délicieusement jubilatoire, l'acteur faisait aussi bien le clown que le coup de poing, en héros belmondien, arrosé au bourbon et au rock'n roll, une figure attachante. Dans son registre finalement très limité, l'acteur est plutôt efficace. On ne lui demande pas la lune, alors profitons de ce qu'il sait faire, il le fait bien. Il récidive ici avec peut-être un peu plus de gravité, les enjeux premiers ne l'invitant guère à faire risette. Excellent, il n'en demeure pas moins qu'il aura du mal à sortir de ce rôle. Citez un autre grand film avec Bruce Willis...

Incontournable. Bâti avec les doigts des anges, ce film est un Sauternes, Château Yquem, meilleur millésime. Inestimable amour.

Trombi:
Bonnie Bedelia:

Reginald VelJohnson:

Paul Gleason:

William Atherton:

Hart Bochner:

James Shigeta:

Alexander Godunov:

De'voreaux White:

Andreas Wisniewski:

Clarence Gilyard Jr.:

Dennis Hayden:

Al Leong:

Robert Davi:

Grand L. Bush:

Hans Buhringer:

Matt Landers:

Dustyn Taylor:

Betty Carvalho:

David Ursin:

Kip Waldo:

Tracy Reiner:

Robert Lesser:

Flic ou voyou

2012-01-04T10:50:00.003+01:00

1979
Alias: Cop or Hood

Cinéaste:Georges Lautner
Comédiens:Jean-Paul Belmondo -Georges Géret -Jean-François Balmer -Claude Brosset -Michel Galabru -Marie Laforêt

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Je me trouve là devant un vrai paradoxe : je devrais détester ce film mais je l'aime beaucoup. Disons que les raisons qui me font apprécier les revoyures de ce film sont bien plus nombreuses que celles qui sont censées me rebuter. Alors je vais aborder ma chronique par ces dernières pour ensuite souligner les doux atours du film. On se débarrasse de l'embarras pour profiter au maximum des délices de Capoue.

Je n'ai pas la chronologie en tête mais je crois que "Flic ou voyou" est un jalon important dans la filmographie de Belmondo.

On y fait plus que déceler le parti pris politique de ses films des années 80, une position réactionnaire qu'on pourrait pas tr op schématiquement classer à droite. On n'est pas encore tout à fait dans "Le professionnel", "Le marginal" ou "Le solitaire", des films résolument simplistes dans leur vision de la société et des maux qui la gangrènent et surtout empreints d'une noirceur assez caricaturale, proche du "tous pourris" que les mouvements démagogiques reprennent tellement à leur compte. Et ce "Flic ou voyou" me parait être déjà un candidat à cette espèce de poujadisme qui consiste à dénoncer l'inertie administrative, juridique des pouvoirs publics face à la criminalité. Le discours que tient Belmondo à Galabru, figure du bourgeois installé, du fonctionnaire bedonnant et assis dans le confort de la bureaucratie est en soi une parfaite illustration de la politique que ne renierait en aucun cas la droit extrême.

On pourrait tout aussi bien arguer que la fin des années 70 avaient engendré avec la fin de la période d'expansion et l'arrivée de la crise sur les économies de la planète une atmosphère volontiers agressive et par conséquent un cinéma de la réaction, pas uniquement en France avec les populaires Delon et Belmondo, mais aussi chez les Américains avec les Chuck Norris, Sylvester Stallone et surtout Charles Bronson.

Ce "Flic ou voyou" fait penser, déjà, même si la filiation sera plus évidente avec les prochains films de Belmondo, aux films ultra violents dans lesquels Charles Bronson prônait l'auto-défense. Le flic-voyou que joue Belmondo se propose d'éliminer les criminels, s'il estime de ne pas pouvoir les boucler en tôle. Justice expéditive qui ne s'embarrasse ni de procès ni d'autre formalités bourgeoises. Voilà un type de discours même pas seulement implicite, qui a de quoi me déranger et qui ne s'en prive guère.

Pourtant j'adore ce film. Je n'aime pas ce que dit le film mais j'adore tout le reste, notamment la manière dont il le dit, la réalisation de Georges Lautner, le savant dosage d'humour et de gravité des personnages, la musique sombre et guillerette de Philippe Sarde, la pléiade de bons acteurs, l'espèce de jubilation que ce film dégage malgré l'arrière-goût faisandé décrit plus haut.

Dans la longue filmographie du dialoguiste Michel Audiard, ce film n'est pas le plus flamboyant, mais il compte sûrement parmi les plus percutants. Le style n'est pas seulement drôle, il est assuré, d'une très élégante maitrise, même quand il débite des âneries. Force est de constater que cela claque avec une puissance et une perfection que je kiffe toujours autant. Je le trouve très bien écrit, plein d'imagination, de cette verve truculente qui essaie de cacher en vain une certaine élégance, ainsi qu'une culture d'élite. J'adule Audiard mais je ne peux passer sous silence la manifeste patte de Jean Herman au scénario.

Reste que le couple Lautner/Audiard est de ceux qui me ravissent l'oreille et les yeux depuis que je suis tout gamin. Ce film est la parfaite illustration de ce formidable mariage : une fluidité extraordinaire produit la sensation de lire un très bel objet, les mots coulent, font corps avec l'image.

Sans trop sembler y toucher, Georges Lautner filme son histoire avec pas mal d'originalité et un découpage aux petits oignons (dans le cadre comme dans le temps) dans lequel les comédiens, tous les comédiens, sont à la fête. Qu'y a-t-il de plus efficace qu'un réalisateur qui aime le jeu de ses acteurs? La volupté sur chaque scène se sirote avec un réel bonheur.

J'insiste sur l'unanimité des bénéficiaires de ce cinéma de faveurs. Si Jean-Paul Belmondo profite en premier lieu de la caméra et des bons mots pour en faire le super héros populaire du box-office qu'il a été dans ces années-là, il n'en demeure pas moins vrai que l'attention de Lautner se porte également avec un gourmandise d'esthète évidente sur la photographie souvent excellente d'Henri Decaë, mais surtout sur le jeu de chaque acteur.

Le choix de la distribution se révèle souvent fort judicieux et je ne peux pas en écrire davantage sans nommément évoquer des types comme Jean-François Balmer.

Voilà un acteur remarquable, dont la présence à l'écran est finalement assez rare en dehors de ces années 80. Il est surtout un amoureux du théâtre. Il est plus que bon et bénéficie entre autres d'une voix et d'une trogne qui sortent de l'ordinaire, mais bien entendu, son jeu est excellentissime, toujours très fin, puant ici le vice et poussant le cynisme de son personnage à un niveau très élevé. J'adore ce type.

Il n'échappera à personne que Michel Galabru est un acteur incroyable, au jeu parfois d'une netteté impressionnante. Il faut être bouché à l'émeri et avoir une sacrée couche de caca sur les yeux pour ne pas lui accorder un talent énorme.

J'aimerais particulièrement mettre en valeur la prestation d'un second rôle important à mes yeux : Claude Brosset est l'acteur typique dont la gueule revient à beaucoup mais dont le nom échappe à tout le monde. Figure récurrente du ciné et de la télé de cette époque, il n'a sûrement pas la reconnaissance qu'il mérite. J'aime beaucoup.

Le film fourmille de tous petits rôles tenus par de sympathiques voire très bons comédiens, je pense bien sûr de suite à Michel Beaune

et Catherine Lachens,

en couple pépère, victimes idéales pour le clown Bébel. Mais que ce soit le débonnaire Charles Gérard,

dont le jeu d'acteur peut paraitre, à juste titre et au mieux déplorable, ou bien le plus maitrisé Georges Géret, ils font partie de ces types qui amènent un petit plus, un capital sympathie non négligeable qui compense pas mal la relative médiocrité de leurs jeux respectifs.

J'ai un peu plus de mal avec les deux comédiennes du film. Croyez bien que je le regrette. La froideur de Marie Laforêt ou l'espèce de distanciation qu'elle affecte trop souvent m'ont toujours un peu bloqué sans que je sache pourquoi exactement. Ces deux caractéristiques pourraient avoir leur charme. Ça n'opère pas en ce qui me concerne. Quelque chose de dur et lointain sans son regard peut-être?

Quant à Julie Jézéquel, sa maturité excessive, si peu naturelle, que son personnage arbore en permanence lui fait perdre toute crédibilité. On hésite d'abord, puis on s'en lasse et finalement on s'en irrite.

De ce "flic ou voyou", je retiens l'infantilisme du propos qui, marié aux talents de Lautner, Audiard, Herman et des acteurs, crée pourtant un film joyeux, une comédie policière gentiment drôle, très vivante, animée, très agréable à suivre.

La musique de Philippe Sarde, bien construite, épouse parfaitement cet état d'esprit rigolard, cette démesure un peu grotesque, ce spectacle permanent, entre élégance et grossièreté, jazz et musique classique, tempo doux ou cassant, rythme laiteux ou âpre. Elle finit par s'accrocher dans ma mémoire. Quand je pense à ce film, elle me revient illico presto m'entêter. J'aime beaucoup.

Trombi:
Tony Kendall:

Venantino Venantini:

Philippe Castelli:

Mireille Orsini:

Juliette Mills:

Nicolas Vogel:

Michel Peyrelon:

Jeannot Marsiglia:

Maurice Auzel: (centre)

Ged Marlon et Marc Lamole:

Pas sûr de moi, mais je me demande si ce n'est pas Rémy Julienne:

Jacques Lejeune:

Patrick Rocca:

Brigitte Bywalski:

Valérie Kirkorian:

Louis-Joachim Candella?, ? et René-Charles Tramoni?:

Et les inconnus à qui j'aimerais bien donner un nom:

The artist

2011-12-25T17:17:00.003+01:00

2011

Cinéaste:Michel Hazanavicius
Comédiens:Jean Dujardin -Penelope Ann Miller -Bérénice Bejo -John Goodman -Malcolm McDowell -James Cromwell

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Je devrais être courant à mon âge et faire en sorte de ne jamais porter la moindre considération à toutes ces conneries de prix et récompenses artistiques. Et pourtant, le prix d'interprétation attribué à Jean Dujardin, lors du festival de Cannes, a fini par s'immiscer dans ma conscience, a fait son sale boulot de sape et à l'heure où l'écran s'illuminait dans ses noirs et ses blancs, j'étais déjà eu et ne le savais pas : je m'attendais à quelque chose de beaucoup plus impressionnant. Pauvre vieux con que je suis!

Certes, le comédien est bon, je me tue à le répéter ici ou là : c'est un très grand acteur, un des plus talentueux de sa génération, toujours juste, faisant montre d'une aisance naturelle tellement déconcertante! Cependant le rôle qu'Hazanavicius lui a cette fois concocté, pour gentiment troussé qu'il est, ne suscite pas en moi les débordements d'enthousiasme que j'ai lus partout dans la presse, ni même ne justifie une si grande récompense.

Entendons-nous bien : c'est très joli, bien foutu, mais le personnage n'est pas non plus d'une profondeur abyssale. Il y a de nombreuses très bonnes idées de la part du réalisateur. L'histoire est mignonne, mais extrêmement convenue. C'est un conte pour enfants, bien fait, rien à dire sur la facture, techniquement et visuellement bluffante. C'est émouvant, attendrissant, mais sans pour autant se révéler capable de donner le grand frisson, celui qui pousse les gens hors de leur fauteuil à applaudir à tout rompre.

Les étapes pathétiques par lesquelles le personnage de Dujardin passe sont un peu trop longues à mon goût. A un moment donné, j'ai été un peu lassé par l'orgueil mal placé du bonhomme. Il va un peu trop loin pour que je puisse tomber en pâmoison. Voilà. Il m'apparait bien trop léger ou futile pour qu'on décerne à celui qui l'incarne un prix quelconque. La poésie du personnage perd ses ailes à un moment du film et c'est assez triste d'ailleurs. Et j'insiste bien : j'ai aimé le film. Seulement, on ne va pas en faire un fromage. Je ne l'ai pas adoré, ne suis pas tombé sous le charme.

Mais j'ai des explications qui en valent sûrement bien d'autres. Hazanavicius, en bon spécialiste de la parodie, se sent obligé de passer par des marques qu'il croit propres au cinéma de ce temps là, celles de l'histoire du muet, et par conséquent, il suit des traces un peu trop soulignées vers le pathos, dans l'esthétique comme dans la tenue du récit d'ailleurs.

Et puis, j'ai peut-être subi trop de surprises, desquelles j'ai bien du mal à me remettre? D'abord j'étais persuadé que John Goodman

était mort. Heureuse surprise celle-là! Mais quand j'ai vu Penelope Ann Miller... ma mâchoire est venue heurter mes genoux. C'est ce qu'on appelle prendre un coup de vieux.

Mauvaise surprise. Depuis "The freshman", j'avais gardé d'elle la beauté trouble, je la croyais sans doute éternelle, blanche, verte, lumineuse pour toujours, et je vois là une femme âgée. Au moins ne s'est-elle pas défigurée à la mode chirurgicale! Cependant, mon petit cœur a été secoué par la nouvelle : le temps passe si vite et sans prévenir! D'ici à ce que j'apprenne que Matthew Broderick a des cheveux blancs ou que Marlon Brando est décédé... non, pitié!

Mini trombi:
Bérénice Bejo:

James Cromwell:

Missi Pyle:

Malcolm McDowell:

Uggie:

Nihon no yoru to kiri

2011-12-25T16:55:00.003+01:00

1960
Alias: Nuit et brouillard au Japon
Alias: Night and Fog in Japan

Cinéaste:Nagisa Ôshima
Comédiens:Miyuki Kuwano -Fumio Watanabe -Shinko Ujiie -Hiroshi Akutagawa

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La jaquette vante les prouesses techniques de la mise en scène, avec ces longs plans séquences qui essaient de noyer le spectateur dans les débats politiques de ces étudiants communistes. C'est effectivement réussi : je ne suis pas sorti indemne, j'ai été très vite asphyxié par le flot continu du discours politique des nombreux personnages.

Sans aller jusqu'à réellement déconstruire le discours théorique et militant des communistes, comme s'y est attelé Wakamatsu récemment avec son "United Red Army", Nagisa Oshima tente d'explorer l'engagement politique et les facultés de chacun à varier ses positions et ses attitudes vis à vis de l'idéologie selon les circonstances.

Pour qui ne connait pas bien les évènements politiques japonais, les tenants et les aboutissants des mouvements progressistes des années soixante dans ce pays -ce qui est mon cas j'en ai bien peur- il devient difficile de voir clair dans tout l'imbroglio de l'intrigue. Et les longues discussions, ces longs plans séquences, ces nombreux et incessants changements d'intervenants ne facilitent pas du tout notre tâche. A la moitié du film, je commençais à croire que j'avais assisté jusque là à la mise en place d'un cluedo politique, mais il s'avère par la suite qu'il n'en est rien, que les intentions du film sont bien plus complexes que cela.

Autant vous dire que malgré tous mes efforts pour m'ouvrir à cette histoire, je me suis foutrement ennuyé. En temps et circonstances normaux, les débats idéologiques au sein de la mouvance marxiste me broutent considérablement, mais embrouillés dans ce dispositif scénique, j'ai eu toutes les peines du monde à ne pas m'endormir tout connement. Épreuve difficile que la direction d'acteurs fort correcte d'Oshima n'estompe en aucune façon malheureusement.

Trombi:
Shinko Ujiie:

Miyuki Kuwano:

Fumio Watanabe:

Hiroshi Akutagawa:

Masahiko Tsugawa: (droite)

Kei Satô:

Rokko Toura:

Die Spinnen, 2. Teil - Das Brillantenschiff

2011-12-25T16:25:00.002+01:00

1920
Alias: Les Araignées - Le cargo d'esclaves
Alias: The spiders, part 2: The diamond ship

Cinéaste:Fritz Lang
Comédiens:Carl de Vogt -Ressel Orla -Georg John -Lil Dagover

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Ce 2e opus est beaucoup plus proche du Dr Mabuse me semble-t-il. On reste volontiers dans le monde dit "civilisé" et ce sont les coins et recoins de l'organisation des "Araignées" que l'on est censé explorer ici.

On pense également à la vue de ces criminels qui changent d'apparence au "Fantômas" de Souvestre et Allain. Double jeu, cache, pièges, hypnose, trahison et surtout vengeance forment le gros du scénario.

Certes, quelques phases du film peuvent à nouveau prendre les atours de l'aventure ébouriffante, du serial américain, très populaire à l'époque, avec bien entendu la figure sévère et obstinée du héros Kay Hoog (Carl de Vogt),

mais je le répète, Fritz Lang se focalise dans ce deuxième film bien davantage sur cette société parallèle, vivante pour le crime, solide pour le mal et qui bâtit sa puissance sur la fidélité de ses membres. L'honneur est à l'envers. Cette organisation tisse sa toile et il faut donc un courage sur-humain pour pouvoir en venir à bout (ou bien la force des revanchards).

Je dois concéder que ce type de films et ces problématiques de la dissimulation ne m'intéressent pas des masses : je me suis beaucoup plus ennuyé ici que sur "Les Araignées 1" qui me parait être beaucoup plus mouvementé, plus dynamique. Ces sensations sont sans doute accentuées par le montage un peu trop large sur beaucoup de séquences : ça finit par faire long par moments.

Mini trombi:
Ressel Orla :

Georg John:

Columbo : Butterfly in shades of grey

2011-12-24T10:36:00.004+01:00

1993
Saison 12, épisode 02
Alias : Columbo : Face à face

Réalisateur: Dennis Dugan
Comédiens: Peter Falk - William Shatner - Molly Hagan

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Dans le classement des adversaires exécrables, celui qu'incarne ici William Shatner est forcément sur le podium. On pourrait toujours discuter de la place. Je suis tenté de lui décerner la couronne de laurier : quelle ordure! Quel personnage infecte! Un rabougri consternant de bêtise et de haine, un égoïste surpuissant, un agressif impénitent et pour finir un possessif flirtant avec l'inceste. Joli valise qu'il trimballe, hum? La face un peu gonflée du vieillissant William Shatner lui donne l'aspect d'un bouledogue protégeant sa gamelle.

On retrouve dans cet épisode Molly Hagan qu'on avait déjà vu dans "Murder, smoke and shadows" ("Ombres et lumières"). Elle joue à nouveau le même personnage effacé, facilement manipulable, assez faible et vulnérable en somme.

Concernant le meurtre et l'enquête de Columbo, ils placent l'épisode dans les rares où le détective se retrouve en danger de mort. Il faut également noter que, basé sur des données technologiques, il apparait de nos jours un poil démodé, mais demeure cependant tout à fait crédible. Dans la structure et dans l'approche plutôt traditionnelles de l'intrigue, avec un personnage arrogant, un Columbo rabaissé, une déduction logique et imparable, cet épisode peut rassurer les fans de la série après le perturbant prédécesseur "It's all in the game".

Solide sans être exceptionnel, ce "Butterfly in shade of grey" papillonne sagement parmi les épisodes réussis de cette 12e saison.

Trombi:
Jack Laufer:

Richard Kline:

Beverly Leech:

Brian Markinson:

Robin Clarke:

Christopher Templeton:

John C. Anders:?

Mark Lonow: ?

What women want

2011-12-24T09:42:00.004+01:00

2000
Alias: Ce que femme veut
Alias: Ce que veulent les femmes

Cinéaste:Nancy Meyers
Comédiens:Alan Alda -Marisa Tomei -Helen Hunt -Mel Gibson -Bette Midler -Lauren Holly

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J'avais à peu près aimé quand je l'avais vu il y a de cela longtemps. J'avais déjà été un peu choqué par le manque de subtilité du scénario. J'avais voulu voir ce film pour Mel Gibson, Helen Hunt et Nancy Meyers.

Cette dernière m'intriguait car elle avait travaillé sur le scénario de "Quand Harry rencontre Sally" me semble-t-il, une comédie romantique superbe d'astuce, de précision et de tendresse. Difficile de s'attendre à aussi peu de finesse dans les relations entre les personnages. Et pourtant c'est bel et bien là que le bât blesse. Le changement psychologique de Mel Gibson après son passage chez la psy est très mal fichu. Hé, bien sûr qu'ils ont voulu appuyé sur le contraste pour provoquer une rupture comique, mais justement, ils ont trop appuyé, c'est gras, grossièrement pointé! C'est comme un vieil oncle qui explique la blague qu'il vient de raconter au repas familial de Noël entre la buche et la dernière coupette de roteuse. Pénible.

Et ce film est beaucoup trop schématique dans sa première partie très... trop longue. A part le petit numéro de danse sur Sinatra, qui égaille un peu, allège un propos jusque là très plat, la première partie empile cliché sur cliché et Mel Gibson en fait des tonnes, dans le genre "macho man".

Les sempiternels enjeux sur les dysfonctionnements familiaux (homme/femme et parent/ado) nous sont présentés avec toujours les mêmes modèles lassants.

Et puis progressivement, Mel Gibson va accepter son don et prendre de l'épaisseur enfin, devenir un personnage un tant soit peu humain, plausible du moins, en quittant cette image caricaturale qu'il véhiculait avec une nervosité fatigante, pleine de grimaces et de simagrées futiles. Le film peut alors se permettre d'être sinon drôle au moins souriant et somme toute agréable. On retrouve la causticité et la complexité des rapports humains. C'est dommage d'avoir eu à se taper ce début de film bavard et laborieux.

Je ne sais pas comment je fais, mais je parviens encore à avoir de la sympathie pour Mel Gibson, l'acteur, à faire abstraction de toutes ces puanteurs qui gâchent la vie de l'homme. Ce qu'il donne à l'écran est indéniablement généreux et parfois étonne par sa sensibilité et se justesse.

Depuis que j'ai découvert "Dingue de toi", je ne sais plus où du temps où j'avais le câble, je suis resté sous le charme d'Helen Hunt. "Charme" est le terme le plus adéquat, tant on ne peut pas à proprement parler utiliser celui de "beauté". Les traits de son visage forment quelque chose de très original, d'un peu étrange et en même temps d'irrésistiblement fascinant. Au final, je suis très troublé, sans explication devant l'attirance et la sympathie qu'elle suscite de façon naturelle et irrémédiable. Sans doute que son talent de comédienne suffit à donner sens à tout cela.

Et puis, il y a Marisa Tomei. Marisa!

Partagé entre une certaine attirance pour ces deux comédiens et la consternation devant ce scénario pour le moins bancal, j'ai longtemps garder ce film, mais je sais maintenant que je vais m'en séparer. Un film trop moyen.

Trombi:
Alan Alda:

Bette Midler:

Lauren Holly:

Lisa Edelstein:

Delta Burke et Valerie Perrine:

Judy Greer:

Ashley Johnson:

Mark Feuerstein:

Sarah Paulson:

Ana Gasteyer:

Loretta Devine:

Diana Maria Riva:

Eric Balfour:

Andrea Baker:

T.J. Thyne:

Angela Oh:

Robert Briscoe Evans:

Alex McKenna et Rachel Duncan:

Cristine Rose:

Arden Myrin:

The Hound of the Baskervilles

2011-12-23T17:08:00.002+01:00

1959
Alias: Le chien des Baskerville

Cinéaste:Terence Fisher
Comédiens:Marla Landi -Christopher Lee -André Morell -Peter Cushing

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Mon premier Sherlock de ciné, mon premier Hammer et donc forcément lié à ma cinéphilie par l'affect et la nostalgie. Du cinéma de construction, du cinéma de jeunesse, des souvenirs émus.

Comment voulez-vous rester insensible au regard d'aigle et plein de fièvre de Peter Cushing?

La vivacité et la froideur de cet acteur en font sans aucune discussion un Sherlock de premier plan, très proche du personnage d'Arthur Conan Doyle, même si la Hammer a évidemment aplani les aspérités toxicomanes et misanthropes du détective pour ne pas heurter la sensibilité du jeune public attendu pour ses productions populaires.

Les ustensiles et l'apparat propres au folklore des aventures de Sherlock Holmes, la veste, la pipe, le tweed, la loupe, le couvre-chef sont bel et bien présents, permettant au lecteur fidèle de se réjouir que le scénario et l'acteur parviennent à aller au-delà de ces apparences systématiques.

Mais plus précisément, pour qui a lu le roman, il y a lieu de retrouver le charme angoissant de la lande où celui qui s'écarte par trop du chemin risque de périr dans la bourbe des marais, l'inquiétante terre ponctuée de petits tertres et de fourrés battus par les vents sous un ciel rougeoyant, les hurlements lugubres de la bête dans la nuit, les couloirs gothiques du manoir parcourus à la bougie, etc.

La machinerie "Hammer" livrée aux mains expertes de Terence Fisher emprunte sûrement à l'esthétique baroque et colorée des italiens Bava et consorts mais le résultat visuel est maitrisé, d'une belle cohérence.

Les comédiens au style impeccable, comme le jeune Christopher Lee, assurent le reste du spectacle, haut en couleurs.

Peut-être pas le meilleur film de la Hammer, mais il fait tout de même partie du fleuron du studio britannique.

Spéciale dédicace à William Olive qui m'avait prêté le bouquin en classe de 6ème!

Trombi:
André Morell:

David Oxley:

Marla Landi:

Francis De Wolff:

Ewen Solon:

Miles Malleson:

Helen Goss:

Michael Mulcaster:

John Le Mesurier:

Judi Moyens:

Die Spinnen, 1. Teil - Der Goldene See

2011-12-23T16:42:00.003+01:00

1919
Alias: Les Araignées - Le lac d'or
Alias: The Spiders, Part 1: The Golden Lake

Cinéaste:Fritz Lang
Comédiens:Carl de Vogt -Ressel Orla -Georg John -Lil Dagover

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Ayant vu les deux films l'un à la suite de l'autre, j'aurais bien du mal à jeter un regard très distinctif sur l'un plus que sur l'autre. M'enfin, je vais m'y efforcer, notamment en essayant de me rappeler mes premières impressions. Je sais tout de même que j'ai eu beaucoup moins de mal à suivre le premier chapitre que le second.

Par bien des aspects je dirais volontiers que ce premier élément emprunte bien davantage à la culture populaire des serials américains. Le goût du film est plus proche du héros Kay Hoog (joué par Carl de Vogt).

Le lien avec ses aventures exotiques fait immanquablement penser à Indiana Jones mais peut-être plus encore à Tintin. Les similitudes avec beaucoup d'albums d'Hergé laisseraient à penser qu'Hergé a été très influencé par cette culture populaire et peut-être spécialement par les films de Fritz Lang.

La piètre connaissance des peuples sud-américains peut expliquer également la part de fantasmes et de mystère que Fritz Lang met sur cette peinture pour le moins baroque et chargée de ces étranges habitants. Sans doute faut-il y voir avant tout un moyen de créer un spectacle grandiose, effrayant en même temps que majestueux.

On croirait reconnaitre aussi certains aspects esthétiques chers au cinéaste allemand et qu'on retrouve dans "Les Nibelungen", chez Attila et ses Huns par exemple, une sorte d'État encore un peu sauvage, une ébauche de civilisation, primaire et périlleuse pour les occidentaux qui s'y perdent, un État où la nature impose formellement sa marque dans la pierre ou dans les habits.

De là l'exotisme que la mer, les forêts denses, les plages aux rochers escarpés ou les grottes envahies de fumerolles assassines condensent de façon si prégnante dans le récit.

On est encore et toujours dans le serial, car on enlève des femmes, des sociétés de criminels se tapissent dans l'ombre dissimulées derrière des parois escamotables, de grands espaces s'ouvrent à des cavalcades endiablées de cow-boys, des ballons dirigeables permettent d'échapper à l'ennemi, des serpents sont prêts de tuer de doulces demoiselles sans défense, etc.

Kay Hoog, le Tintin ou Indiana de Lang, passe son temps à parcourir le monde pour mettre à bas le plan des "Araignées", une mafia internationale dont l'un des leaders se trouve être une femme machiavélique Lio Sha (Ressel Orla).

Sur le papier, cela constitue un programme alléchant, plein de promesses, de rebondissements, d'évènements mouvementés et rocambolesques, or, on s'aperçoit que Lang laisse parfois durer trop longtemps certaines scènes, alourdissant du même coup le rythme de l'action. Aussi, très souvent, me suis-je ennuyé. Il faut concéder que les temps de lecture des films ont bien entendu considérablement évolué et que notre capacité d'absorption du récit s'est tellement amélioré de nos jours qu'on peut finir par trouver le temps long durant pas mal de séquences. C'est un peu triste, m'enfin, il ne sert à rien de se le cacher.

Lil Dagover:

Le baron de l'écluse

2011-12-22T16:29:00.004+01:00

1960

Cinéaste:Jean Delannoy
Comédiens:Jean Constantin -Jacques Castelot -Micheline Presle -Jean Gabin -Jean Desailly -Blanchette Brunoy

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Ce film n'est pas le premier qui vient à l'esprit quand on songe à la filmographie tardive de Jean Gabin. Il n'est ni même dans les cinq premiers. Certes, de plus grands films sont sans doute beaucoup mieux balancés, mieux écrits, mais il n'empêche... il y a une certaine forme d'injustice à omettre trop souvent ce baron.

Il est vrai que la structure en deux parties peut paraitre un peu déséquilibrante, à tel point qu'on a facilement l'impression de voir deux films différents accolés. Mais au final, il émane de ce film quelque chose d'absolument charmant.

Les influences marquantes de ce film viennent de quatre horizons différents. Quatre noms signent le scénario ou l'idée du film : Jean Delannoy, Michel Audiard, Georges Simenon et Maurice Druon.

La patte Delannoy est sensible peut-être plus encore dans le rythme que prend le film et cette amoureuse caméra qui suit tranquillement, avec beaucoup d'admiration le vieux Jean Gabin. On sent très vite la déférence du cinéaste et le souci constant de bien filmer le magnifique comédien dans toute sa splendeur de vieil homme, le talent et la majesté. Delannoy qui n'est pas un crétin, loin s'en faut, sait se mettre au service de ce monument. Bien que je ne connaisse pas aussi bien que je le voudrais ce cinéaste, j'ai toujours le réflexe (peut-être erroné) de l'associer à la sérénité, ou du moins une certaine tranquillité. Et cette histoire de grand bateau de luxe, obligé d'accoster dans un petit bled paumé au fin fond de la France me semble tellement lui ressembler!

Bien entendu, la présence de Michel Audiard est dans les saveurs épicées que nous servent les dialogues. Même si l'on est loin des grandes envolées comico-lyriques des comédies plus libres qui ont fait sa célébrité, cette production n'est pas sans petites pépites, dans ce style très espiègle, avec cette dose de culture, amoureuse de la langue française qui donne ses lettres de noblesse au talent d'Audiard. C'est toujours si agréable d'écouter un film dialogue par Michel Audiard. Foutre, que j'aime le cinéma!

Et pourtant on se rend compte très vite que l'influence de Maurice Druon va quelque peu émousser la verve d'Audiard. Druon était un sacré personnage, j'en conviens. Ma jeunesse a été marquée par ses coups de gueules ultra réactionnaires qui ponctuaient ses interventions télévisées. Je n'ai jamais eu de sympathie pour cet homme, bien au contraire, il était trop doué pour vivre uniquement dans le passé avec d'éclatantes œillères. J'ai retrouvé assez vite cette langue, très académique, ce faux panache qu'il mettait dans son expression.

Dans la première partie du film, l'histoire nous invite à rencontrer une engeance aristocratique et de la très haute bourgeoisie, celle qui ne peut lire que Le Figaro et honnir le peuple si par mégarde il venait à oser sortir de ses plates bandes et décrier ce monde de privilégiés. Il y est dépeint un monde que tout un chacun peut rencontrer au cours de son existence (même les riches peuvent être pauvres alors?!). On suit donc un Jean Gabin qui avec classe et élégance, et cette mâle assurance qui fait aussi son charme, essaie de se dépatouiller d'une misère qu'il sait passagère. Dans les casinos ou les plages de Deauville, il rencontre ce qu'il se fait de plus cossu. En fin de comte, il hérite d'un yacht qu'il décide d'amener par les jolis canaux de France sur la côté d'Azur. Faute de pognon et de personnel navigant (ça préfère mettre les voiles sur une péniche où on mange), voilà que le bateau jette ses amarres à l'entrée d'une écluse, dans un petit patelin de la France profonde.

Et là mes amis, on entre dans un autre film, celui de Georges Simenon. Le contraste est saisissant. Ce sont les petites gens qui regardent le baron avec les yeux grands ouverts. Simenon est certainement l'un des plus grands auteurs du 20e siècle. Le belge sait à merveille scruter les aléas de l'âme du commun des mortels. Jean Delannoy sait formidablement montrer cela, comment le peuple regarde les sommets, par le petit carreau de la fenêtre, avec bienveillance tout de même et peut-être une secrète pointe d'envie. Le film est une comédie populaire, alors forcément l'envie est douce, un peu amère à l'heure de la désillusion, mais toujours docile. Je ne sais pas si c'est ce canal, mais on a la nette impression de suivre le fil de l'onde avec une tranquillité, comme un poème, ainsi va la vie.

Chez les comédiens, je ne reviens pas sur Jean Gabin qui est dans les étoiles, sa précision est un bijou céleste, elle donne le frisson et fait aimer encore plus le cinéma et les acteurs, j'adore ce gigantesque pilier.
J'aime bien Micheline Presle,

d'une affection sage, celle de l'enfant que j'estois jadis et qui l'a découverte dans "Les saintes chéries". Elle est ici très belle mais j'avoue que son rôle n'a que très peu d'importance.

De même, Jean Desailly est un comédien remarquable, toujours juste, mais son personnage est trop anecdotique dans ce film et peine à exister, c'est dommage.

Blanchette Brunoy est une actrice que je connais peu. Elle sert un personnage dense, très simenien, avec une maitrise émouvante. Son flirt, son début d'idylle avec le baron Gabin est très crédible, ce qui n'était pas gagné d'avance, non, un beau travail de comédienne!

Et donc je maintiens qu'on a là un joli brin de film, même si inégal, il en découle quelque chose de plus que valable, de bien rond, assez charnu pour procurer pas mal de plaisir à ceux qui aiment les films français de cette époque.

Trombi:
Jacques Castelot:

Jean Constantin:

Robert Dalban:

Louis Seigner et Aimée Mortimer:

Charles Bouillaud:

Jacques Hilling et Charles Lemontier:

Florence Brière:

Dominique Boschero et Louis Bugette:

Jean-Pierre Jaubert:

Raphaël Patorni (gauche):

Cécyl Marcyl:

Bruno Balp:

Gabriel Gobin et Alexandre Rignault:

Albert Michel: (droite)

Pierre-Louis:

Corrado Guarducci: (droite)

Columbo : It's all in the game

2011-12-22T15:44:00.004+01:00

1993
Alias : Columbo: Le meurtre aux deux visages

Réalisateur:Vincent McEveety
Comédiens:Peter Falk - Faye Dunaway - Claudia Christian - John Finnegan

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Vu en dvd

Ah! Un épisode très particulier qui allie l'absence de l'habituel dénouement basé sur les déductions de Columbo qui confond son meurtrier, une réflexion beaucoup plus poussée que de coutume sur la relation du lieutenant face à la force de séduction d'une meurtrière. Je vais détailler, bien sûr, car ce résumé est pour le moins abrupt, j'en conviens.

D'abord, je situe l'enjeu général de l'épisode : une femme tue un homme qui la trompait et elle va nouer avec Columbo une relation de flirt à laquelle le lieutenant n'avait jamais été confrontée de manière si évidente jusque là. Toute la problématique du film se situe là : Columbo est-il en train de craquer pour cette femme? Qui manipule qui? C'est la première fois que le policier doit faire face à une telle débauche de drague éhontée.

La belle Faye Dunaway

était déjà en train de perdre pied -ou devrais-je dire perdre face- avec l'absolution du père Bistouri- néanmoins, malgré la rigidité traveloteuse de son visage, quelques lueurs de charme, de réelle beauté parviennent à scintiller dans son regard et ses sourires. Dieu, que cette femme a été belle! Qu'elle aurait pu être une superbe femme âgée! Malheureusement, on a là le cas typique de la belle actrice qui refuse de vieillir et se transforme en drag-queen.

Bon, peu importe! Disons qu'on peut croire qu'un aussi vieil homme que Columbo ne reste pas insensible aux roucoulements de cette élégante et souriante femme.

Le scénario joue donc admirablement cette inédite confrontation entre le roublard détective et la vamp. Le doute est permis : on ne sait trop si Columbo est réellement sous le charme de Faye Dunaway. Son attitude évolue, nous laisse à penser ici que oui, mais vire là dans un sens contraire. C'est assez bien fait. Le personnage du barman, ancien flic, joue le rôle de Gémini criquet et travaille à rendre les ambiguïtés de Colombo encore plus opaques. Alors, si la part déductive du lieutenant est reléguée au second plan, celle de son implication émotionnelle est fortement mise en avant et c'est très plaisant de redécouvrir le personnage sous cet angle-là.

Difficile était la tâche que se donnait cet épisode : redessiner jusqu'à faire douter le spectateur la personnalité du lieutenant de police, et ce, à la 12e saison! Pari risqué et plutôt réussi! A ce titre, ce numéro est bougrement troublant.

Trombi:
Claudia Christian:

Armando Pucci:

John Finnegan:

Bill Macy:

Tom Henschel:

Stewart J. Zully:

Talya Ferro:

Shelley Morrison:

Battle for the Planet of the Apes

2011-12-22T15:04:00.002+01:00

1973
Alias: Colonization of the Planet of the Apes
Alias: La bataille de la planète des singes

Cinéaste:J. Lee Thompson
Comédiens:Roddy McDowall -Claude Akins -Natalie Trundy -Severn Darden -Lew Ayres -John Huston

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Les studios ne pouvaient supporter la terrible fin de notre planète. Les bien pensants ne pouvaient tolérer pareil pessimisme, cette idée qu'humains et singes finiraient par anéantir la Terre, à cause de leur bellicisme imbécile. Il fallait trouver une solution. Elle ne pouvait qu'être tarabiscotée. Aussi, même si je lui accorde un regard aujourd'hui plus conciliant que par le passé, je reste néanmoins assez peu friand de cet ultime épisode qui m'a tout l'air de répéter ce qui déjà a été dit et même déjà répété. Les 4 chapitres précédents nous ont déjà montré sous toutes les coutures que la peur de l'autre est à l'origine de la violence et de l'exclusion.

Cette énième "couture" n'est pas du tout nouvelle, c'est quasiment une resucée du 2e épisode, en beaucoup moins affriolant. Moins de couleurs, moins d'effets spéciaux cheaps, moins de mystère, moins de Linda Hamilton, moins quoi. Plus une heureuse conclusion : "ils vécurent heureux et eurent de nombreux enfants, dans l'harmonie des races amies, pour des siècles et des siècles, amen."

De plus, les personnages n'offrent que très peu d'aspérités : leurs traits sont parfois trop appuyés, manquant gravement de finesse. Que ce soit Aldo (Claude Akins)
dont la psychologie ainsi que le destin sont connus en deux secondes lors de sa première scène, ou bien Severn Darden
qui fait la guerre par ennui et même Roddy McDowall dont le César parait si peu doué pour juger des priorités et fait preuve d'un nombrilisme aveugle et pathétique.

Je passe bien entendu sur les incongruités grossières du scénario avec des personnages par exemple plus vieux que César -censé être le premier singe parlant- et qui parlent parfaitement eux aussi. Je suppose qu'il faut faire preuve sur ce paradoxe de beaucoup d'indulgence, mettre un mouchoir dessus pour pouvoir prendre son plaisir sur d'autres points : préalable incontournable.

A part quelques décors eschatologiques sur la cité interdite et les maquillages curieusement bien mieux soigneux que sur les premiers films de la série, la faiblesse des effets visuels sur la bataille,

des décors de la ville sylvestre des singes ou du monde souterrain des humains dénote le manque relatif de moyens sur ce dernier épisode. Pas étonnant qu'on en ait fini sur cet opus avec le souffle court et un certain soulagement.
Mini trombi:
Paul Williams:
Austin Stoker:

Quatermass and the Pit

2011-12-18T17:59:00.003+01:00

1967
Alias: Les monstres de l'espace
Alias: Five Million Years to Earth

Cinéaste:Roy Ward Baker
Comédiens:Barbara Shelley -James Donald -Julian Glover -Andrew Keir -Duncan Lamont -Bryan Marshall

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Dans la série des Quatermass, c'est le seul que j'ai vu. Malheureusement, parce que ce personnage et ces aventures science-fictionnelles cheap, fish and chips, m'ont surtout l'air d'être bien grasses et salées, goutues, comme on dit salement de nos jours.

Ce chapitre n'est pas difficile à trouver sur le marché, il bénéficie d'une assez bonne édition dvd qui fait honneur aux couleurs de la Hammer. Le film so british arbore en effet toute une palette de couleurs plutôt développée, propre à la culture visuellement pop de l'époque. C'est très agréable à lire.

Les effets spéciaux sont pauvres mais fonctionnent très bien. La facture manuelle et l'absence de grands moyens se fait sentir mais dans le même temps l'astuce et la rigueur de ceux qui en étaient chargés apparaissent nettement et avec une belle sobriété. Là encore, le travail est plaisant à voir. On s'amusera des poltergeists raplaplas et les bébettes en polystyrène et fil de fer. Comme souvent avec les productions SF de l'époque, il émane un certain charme de cette désuétude. On imagine toutes ces petites mains qui ont concocté ces montres de l'espace, ces tremblements de terre, ces dégoulinements de sang verdâtre martien. C'est rigolo et jouissif.

De même on pourra sourire en entendant les réflexions pseudo-scientifiques que tiennent les personnages. L'histoire est risible, ne nous en privons pas. Les martiens, face à la surpopulation et les guerres intestines qui en découlent sur leur planète rouge, ont tenté en vain de coloniser la terre il y a des millions d'années. Un vaisseau spatial se serait enfoui dans le sol londonien et bloqué donc dans une sorte d'hibernation que l'activité des hommes (des travaux dans le métro) est venue perturber.

Rigolo, kitsch et pop, il découle de ce spectacle un très agréable divertissement, ainsi qu'un sentiment de familiarité même, de simplicité populaire. Les personnages sont "accueillants". Je ne saurais pas l'expliquer. L'accent sans doute? Les bouilles, les couleurs, les grimaces, les effets spéciaux faits maison? Sans doute. Tout cela forme un tout plutôt cohérent, festif et très dynamique. J'aime beaucoup ce petit film.

Trombi:
Andrew Keir:

James Donald:

Barbara Shelley:

Peter Copley et Julian Glover:

Duncan Lamont:

Bryan Marshall:

Edwin Richfield:

Grant Taylor:

Maurice Good:

Sheila Steafel:

Hugh Futcher:

Thomas Heathcote:

Le magnifique

2011-12-09T15:42:00.004+01:00

1973

Cinéaste:Philippe de Broca
Comédiens:Jean-Paul Belmondo -Jacqueline Bisset -Vittorio Caprioli -Hans Meyer

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Combien de fois ai-je vu ce film? Je ne sais pas. J'ai toujours adoré. Et aujourd'hui, j'ai juste beaucoup aimé. Certains moments m'ont paru... comment dire? "Excessifs" n'est pas le mot. L'excès fait partie intégrante du style. Le magnifique est une parodie de "James Bond". Forcément, quelques outrances paraissent incontournables.

Alors quoi? J'avoue que j'ai trouvé que Belmondo ratait certaines scènes, voilà. Qu'il en faisait un poil trop par moments. Alors que dans d'autres, il joue vraiment de manière formidable. Quand il joue de façon naturelle -et ne nous pond pas son Bébel bondissant, tout en grimaces-

il se passe quelque chose que j'aime par dessus tout dans les scènes intimistes avec Jacqueline Bisset et qu'on retrouve tellement souvent dans les films de Philippe de Broca : le temps suspend son vol et les êtres se regardent.

Je crois qu'elle est là, la poésie de ce cinéaste, dans cette capacité à raconter des histoires drôles, très mouvementées, festives ou déconnantes et qui soudain déchirent ce rideau pour montrer des êtres qui s'aiment, des scènes d'une très émouvante tendresse. Le contraste estampillé "De Broca" -n'en déplaise Francis Veber- se distingue dans ces ruptures, cette intrusion de la simplicité et de l'intime dans le brouhaha de l'action et de l'esbroufe. Les scènes entre l'étudiante anglaise et le pauvre écrivaillon sont souriantes, très touchantes, d'un romantisme qui m'étourdit toujours autant.

Après... bin après, c'est Guignol. Le cinéma français se fout de la gueule du super héroïsme bondien, de l'ultra violence, de l'exotisme de pacotille, de tous ces films d'action, testostéroné, plein de couleurs et de vacuité, d'éclat et de fausseté. Ce film-critique veut servir un autre plat, une autre sauce, celle d'un réel bien plus solide, certes parfois terne, triste, fatigant, où rien n'est facile, mais où tout peut être plus beau, vrai, dans le dur, palpable. Cela ne se résume heureusement pas à un jour/nuit ou beau/moche. De ces images amusantes, de ce divertissement enfantin perce une folie d'une rare délicatesse et un univers tout doux, ravissant.

En attendant, les acteurs font le job. Même les seconds rôles. C'est toujours un plaisir d'entendre la voix si haut perchée de Monique Tarbès,

la bouille grognonne d'Hubert Deschamps,

la face crétine de Jean Lefebvre.

Et je découvre un italien, Vittorio Caprioli (également co-auteur du scénario), que je ne crois pas avoir vu ailleurs que dans ce film. Il joue l'éditeur snobinard et dégueulasse avec maestria.

Et que dire de Jacqueline Bisset?

A moi la petite anglaise! Beauté et pudeur, sans excès, pure et grande douceur.

Un rôle formidable. Une actrice sublime, qui a peut-être ici voulu faire voler en éclat cette image froide qui pèse tant sur les beautés surnaturelles.

"Le magnifique" n'est sans doute pas aussi beau que "Le sauvage", aussi énergique et flamboyant que "L'homme de Rio", mais tudieu, il est si "joli" que je le mets sans aucun problème dans les meilleurs films de Philippe de Broca! (Voilà une erreur typique chez moi, tant je confonds l'univers de Rappeneau et celui de De Broca)

Trombi:
Hans Meyer:

Mario David:

Raymond Gérôme:

Bernard Musson:

René Barrera:

Max Desrau et Raoul Guylad:

Philippe de Broca et André Weber:

Thalie Frugès:

Roger Muni:

Micha Bayard: (au centre)

Robert Berri:

Lucienne Legrand:

Maurice Auzel:

Pierre Assena ???

Henry Czarniak:

Louis Navarre et Max Desrau:

Event Horizon

2011-12-09T15:19:00.003+01:00

1997
Alias: Le vaisseau de l'au-delà

Cinéaste:Paul W.S. Anderson
Comédiens:Laurence Fishburne -Sam Neill -Kathleen Quinlan -Jason Isaacs -Joely Richardson -Richard T. Jones

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J'avais un très bon souvenir de ce film vu il y a maintenant une bonne pelletée d'années. Aujourd'hui je suis relativement déçu. Je pensais revoir un très bon film d'horreur dans l'espace, un Alien-like aux petits oignons, or, si certaines scènes ne manquent pas de suspense, toute cette histoire de vaisseau habité par le mal incarné est assez grotesque.

Quant à la tenue générale du film (effets spéciaux, mise en scène, montage) tout cela laisse quand même un peu à désirer. Les effets numériques sont passables. Ils ne vieillissent pas très bien, mais restent dans la mesure de l'acceptable.

Les acteurs poussent un peu loin le bouchon sur certaines scènes. Mais peut-être faut-il y voir la faute à un scénario assez grossier, souvent proche de la caricature et expédiant les enjeux avec une vélocité mal maitrisée. Le montage y est pour quelque chose, certainement.

M'enfin, on attend bien mieux d'un comédien comme Sam Neill

qu'on a connu beaucoup plus subtil dans son jeu ou bien de Laurence Fishburne qui a toutes les peines du monde à rendre son personnage intéressant.

Non, décidément, on prendra son plaisir pendant un certain laps de temps, au milieu du film, quand on a passé la présentation des personnages, très ordinaire, sans une ombre d'originalité et la fin grand guignolesque, où l'affligeante outrance horrifique prend le dessus sur la montée du suspense. Cette bonne moitié de film donc est assez bien faite. Le lien avec les films "Alien" est on ne peut plus évident mais cela fonctionne relativement bien.

A ce stade du film, on ne connait pas encore les réponses stupides que la fin a réservé à toutes les questions que le récit pose. L'intrigue est bien exposée, dans des décors inquiétants à souhait, le suspense s'installe gentiment. Malheureusement, cela part en eau de boudin par la suite. Dommage.

Trombi:
Kathleen Quinlan:

Joely Richardson:

Jason Isaacs:

Richard T. Jones:

Jack Noseworthy:

Sean Pertwee:

Mare matto

2011-12-08T15:44:00.003+01:00

1963
Alias: La mer à boire

Cinéaste:Renato Castellani
Comédiens:Gina Lollobrigida -Jean-Paul Belmondo -Tomas Milian -Odoardo Spadaro

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Vu sur le net

J'ai vu ce film uniquement pour Jean-Paul Belmondo et Gina Lollobrigida.

Je ne connaissais pas Renato Castellani. A vrai dire, je ne savais même pas que c'était de lui. Ce n'est qu'après avoir vu le film que je suis allé sur IMDB pour prendre quelques informations qui m'avaient échappé, notamment le fait que Leonardo Benvenuti et Piero De Bernardi (scénaristes entre autres de Monicelli, Germi ou Leone) étaient à l'œuvre en co-auteurs.

Et finalement, tout cela résume bien le film : c'est un film d'acteurs au scénario assez étrange, plein de virages. Restons sur l'histoire, elle prend des chemins curieux et joue des tours au spectateur. On est à la limite du film choral. On suit d'abord la course effrénée de frères qui travaillent sur le port de Livourne. On passe ensuite à un marin qui fuit une pension sans payer, puis revient laver les affronts successifs que ses sœurs ont subi et s'en prend plein la gueule à chaque fois. Alors, on retrouve la pension où Jean-Paul Belmondo, un marin un brin gigolo, séduit la maitresse de maison, Gina Lollobrigida, cougar avant l'heure.

Et finalement, on finit par rejoindre les frères dockers face à leur père plutôt cinoque (ouh, que ça faisait longtemps que je n'avais utilisé pareille expression... août 1979 peut-être?).

Le ton est volontiers rieur mais toujours empreint d'une méchanceté farceuse, une espèce d'amour vache, d'humour noir propre à ces auteurs de la comédie italienne. Flamboyance, séduction et horreur existentielle se côtoient dans un tourbillon d'émotions diverses.

Mais je dois avouer pour être tout à fait honnête que j'ai très peu été emballé. Ça ne m'a pas véritablement convaincu. La tentative est louable mais le résultat ne m'émoustille pas des masses.

J'ai eu bien plus de plaisir à voir la finesse de jeu de Gina Lollobrigida

qui, faut-il le rappeler, n'est pas seulement l'image de bombe irradiante qu'on voudrait lui accoler, mais également une actrice très talentueuse. Certes, sa beauté est toujours éclatante, impossible à éluder, même à un âge qui commence à avancer. Voyez les traits de son visage, elle est tout bonnement superbe. Mais j'insiste sur la densité de son personnage et la conviction qu'elle y met, les petites perles de larmes, le froncement de sourcil adéquat, etc. Malheureusement, j'ai vu le film en version française, j'aurais bien aimé l'entendre en italien. M'enfin, dans n'importe quelle version, son jeu est très juste, très émouvant.

Face à elle, Jean-Paul Belmondo joue Bébel, déjà, l'insouciant, le jean-foutre, fier, plein de panache et de morgue, avec l'impétuosité et le sourire qu'on lui connait.

A noter également, l'excellente prestation d'un Odoardo Spadaro, l'œil fou, mais la mine bouleversante de tristesse et de désolation à l'heure où la force et la vie prennent la voie du terminus. Un fantasque fantastique.

Alors, voyez, je n'ai pas non plus perdu mon temps.

Trombi:
Tomas Milian:

Piero Morgia:

Rossana Di Rocco (droite):

Pietro Tordi (avec le béret) :

Le passe-muraille

2011-12-08T15:07:00.005+01:00

1951
Alias: Garou Garou le passe-muraille
Alias: Mr. Peek-a-Boo

Cinéaste:Jean Boyer
Comédiens:Bourvil -Joan Greenwood -Gérard Oury -Roger Tréville

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C'est le deuxième film de Jean Boyer que je vois à la suite après "C'est pas moi c'est l'autre". Pur hasard! Juré! Je me demande bien comment on pourrait avoir l'idée de se faire une série de films de Jean Boyer. Voilà un réalisateur au style totalement impersonnel, si tant est qu'il ait réellement un style. Le vocable me parait bien trop large pour ce cinéaste. Cela a un avantage certain pour les comédiens. La réalisation s'efface pour laisser libre cours au talent d'acteur de Bourvil.

Ça, pour s'effacer, elle s'efface! Reprenant en partie le rôle qu'il a incarné si souvent auparavant et qui a fait son succès auprès du public, à savoir celui d'un brave type, honnête, fleur bleue, un peu naïf, il le bouscule quelque peu en y ajoutant ici le côté farceur qui plait tant à Marcel Aymé.

Joan Greenwood

est handicapée par son français approximatif mais elle a dans le visage, dans le mouvement de ses mains toutes menues une grâce, une fragilité émouvantes.

Il y a un acteur qui ressemble à Pierre Brasseur dans "Quai des brumes", un peu trop d'ailleurs et qui a une tête qu'on voit dans pas mal de films des années 40 et 50 jusqu'à ce qu'il embrasse définitivement la mise en scène et Michèle Morgan, c'est Gérard Oury. Hé oui!

Mais non, les vraies vedettes du film sont Bourvil et la fantaisie poétique de Marcel Aymé, une de mes auteurs préférés, un rêveur impénitent, plein de songes facétieux.

Et finalement, le film force l'attrait grâce à cette démonstration totalement jubilatoire du personnage qui traverse les murs. Souffle le fantasme de la liberté absolue, avec cette fascination qui déborde un peu le sale gosse qui est en chacun de nous.

Trombi:
Roger Tréville et Henri Crémieux:

Raymond Souplex:

Jacques Erwin:

Marcelle Arnold:

Frédéric O'Brady:

Georges Lannes et Georgette Anys:

Nicole Riche:

Nicolas Amato:

Maurice Biraud (au centre) :

Marcel Charvey:

? (à droite, une tête qui me dit bien quelque chose mais qui que c'est donc-t-il?)

Die Stewardessen

2011-12-08T14:41:00.002+01:00

1971
Alias: Les hôtesses du sexe
Alias: Les stewardesses
Alias: Naked Stewardesses
Alias: Sweet Sensations
Alias: The Swingin' Stewardesses

Cinéaste: Erwin C. Dietrich
Comédiennes: Evelyne Traeger - Margrit Siegel - Ingrid Steeger

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Je crois que cela faisait très longtemps que je n'avais plus vu un aussi mauvais film. Certainement dans mon top10 des pires films qu'il m'ait été donné de souffrir de toute ma vie. Il n'y a absolument rien qui rattrape quoique ce soit. C'est nul de A jusqu'à Z. D'habitude, je trouve toujours quelque chose à me mettre sous la rétine. Sur ce film, c'est impossible. Que dire? Pfff, c'est un film qui se voudrait érotique mais qui n'explore rien et ne suscite aucun début d'émoustillement tant c'est mal écrit, mal filmé, mal joué et vide, un film érotoque. En fait, IMDB mentionne "Adult" dans les genres, j'imagine que le format original est donc pornographique, mais en ce qui me concerne j'ai vu là la version érotique uniquement. Et elle est d'une insignifiance crasse.

On voit bien que Erwin C. Dietrich se croit réalisateur. Il tente des trucs qui s'avèrent maladroits, voire grotesques. Par exemple, on a droit à un montage très bizarre sur une scène. On y voit la poitrine et le ventre d'une des jeunes femmes ; ces images sont entrecoupées de séquences alpestres, avec berger, montagnes et cul de vache mastiquante. Ahurissant quand on sait que la demoiselle est à Zurich.

Parce que le film est également une espèce de dépiant touristique mal foutu. Chaque hôtesse de l'air se faisant sauter dans une ville différente : Zurich, Munich, Rome, Copenhague, etc. On bouffe donc de la pelloche touristique niaise et totalement insipide à chaque nouvelle destination. Quel ennui!

Paasons également sur les acteurs, tous, sans exception, sont extrêmement mauvais et pas loin d'être laids. Ils sont sans vit, inertes, flasques et inconsistants, proches de la limace que du genre humain en fin de compte, ne provoquent qu'ennui et consternation chez le spectateur. Pas la moindre émotion, ni sympathie, encore moins d'excitation. Platitude éternelle, amen.

Mini trombi:
Margrit Siegel:

Ingrid Steeger:

Andreas Mannkopff et Evelyne Traeger:

Raphael Britten à droite:

C'est pas moi, c'est l'autre

2011-12-07T11:17:00.004+01:00

1962

Cinéaste:Jean Boyer
Comédiens:Fernand Raynaud -Jean Poiret -Micheline Dax -Fred Pasquali

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Arf! Fernand Raynaud... le mystère qu'incarne ce type est pour moi très prégnant. J'aimais bien quand j'étais petit, je l'avais découvert sur une cassette audio chez mes grands parents. C'est ça le problème avec ce comédien, il est vieux et peu rock'n roll. Son humour est très daté, c'est le moins qu'on puisse dire, et ne résiste pas bien à la réécoute multiple. Il fonctionne toujours sur le même mode, assis sur quelques trucs comiques qu'il répète de sketch en sketch, la confrontation de deux personnages qu'il joue tour à tour, l'un étant un benêt de première et l'autre s'énervant devant la bêtise du premier ("les gens sont méchants"). Il est doué pour incarner ces caractères et passer d'un ton à l'autre, mais le fond est assez plat, plan plan, pépère, gentil, bien brave, etc, des histoires de belle-mère et de soldats. A la longue, on s'en lasse.

Fut un temps, j'avais trouvé une sorte de réconfort dans l'écoute de ses sketchs. J'étais là proche de la thérapie du sommeil, voyez? Et ce film n'est pas loin de me faire le même effet. C'est gentil, ça ne mord pas, très simple, mais très vite on s'ennuie, toujours gentiment, sagement, sans faire de bruit, mais réellement.

Alors que faire? Chacun voit midi à sa porte. Moi, je kiffe Jean Poiret.

Rien que pour ce pitre, le film vaut la peine d'être vu au moins une fois. J'adore son espièglerie, son œil frisottant, ses mimiques de sale gosse. Il a avec ce rôle d'impresario un personnage fait sur mesure.

J'ai pu apprécier quelques autres petits rôles papillonnant autour des deux premiers. Henri Virlojeux,

un troisième rôle récurrent dans le vieux ciné français, une voix aussi, très reconnaissable, à nulle autre pareille. Tenez, en parlant de voix, je me rends compte que ce film regorge d'autres doubleurs célèbres, comme Micheline Dax (Peggy la cochonne),

encore toute jeune, ou bien Fred Pasquali... Hum, tous ces gens, les enfants fan des vieux Disney les reconnaitront pour leur voix si rigolotes et saillantes.

Tout cela est bien maigrichon, il est vrai, mais on passe le temps comme on peut, ma pauvre dame!

Trombi:
Geneviève Kervine:

Michel Seldow et Max Montavon:

Nicolas Amato et Robert Rollis:

Charles Bouillaud:

Jean Droze:

Robert Piquet:

Gélou:

Eyes of Laura Mars

2011-12-07T10:45:00.003+01:00

1978
Alias: Les yeux de Laura Mars

Cinéaste:Irvin Kershner
Comédiens:Faye Dunaway -Tommy Lee Jones -Brad Dourif -Raul Julia

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Bof! Je m'attendais à bien mieux de par la présence de Tommy Lee Jones et de Faye Dunaway. Malheureusement, ils se noient eux aussi dans une mise en scène très approximative. Leurs jeux paraissent trop appuyés : les yeux de Laura Mars ont l'écarquillement facile. Démesure vite lassante.

La charge de la brigade des comédiens n'est pas vraiment légère mais le bât blesse également dans le montage : certaines scènes sont beaucoup trop longues. On se demande même pour d'autres s'il n'aurait pas fallu tout bonnement les sucrer. Le rythme des séquences n'est donc pas bon.

De plus, la tenue du récit laisse à désirer. Certes, on peut se faire prendre par le rebondissement final, cependant il n'empêche pas le spectateur de s'ennuyer car le suspense ne parvient en aucune circonstance à relever la valeur du film.

Alors quoi? Ben alors pas grand chose à se mettre sous la rétine. On ne retiendra que cette incongruité : voir Tommy Lee Jones mal jouer.

Avouons que c'est assez rare pour le signaler.
Concernant Faye Dunaway, alors que j'ai vu il y a peu "Network" où elle faisait preuve d'une outrance un peu dérangeante, je commence à nourrir un certain doute à son encontre. La beauté n'est pas tout. Son petit strabisme ne change rien à l'affaire, à cette tendance de l'actrice à se choisir des rôles propres à l'extraversion. Au bout d'un moment, ça commence à devenir lourd.

Un si petit film qu'il fait penser par moments à un épisode très ordinaire de série policière, avec des personnages très caricaturaux et grimaçants, des ambiances très marquées, soulignant modes et tendances de l'époque, avec ce manque de sobriété qui fait la faiblesse caractéristique des productions de seconde zone.

Trombi:
Brad Dourif:

Rene Auberjonois:

Raul Julia et Rose Gregorio:

Frank Adonis:

Lisa Taylor:

Darlanne Fluegel:

Jim Devine:

Wise blood

2011-11-26T10:13:00.003+01:00

1979
Alias: Le malin

Cinéaste:John Huston
Comédiens:Ned Beatty -Harry Dean Stanton -John Huston -Brad Dourif

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Deux fous se rencontrent. De quoi parlent-ils? Ils se racontent des histoires de fous. Voilà, je vous ai résumé le film. Mais au lieu de voir s'égosiller deux fous, c'est aux échanges de quatre, six, huit fous que nous sommes confrontés. C'est un film de fous qui se percutent, se racontent, ne se rencontrent réellement jamais. Chacun essaie d'imposer sa vision aux autres, en vain bien entendu. Mais difficile pour le spectateur d'y comprendre quelque chose. On n'y voit goutte. La brume que représentent tous ces prêches, tous ces galimatias, ces monologues abscons et interrompus s'épaissit sans discontinuer. Les personnages n'en finissent pas de se couper du monde et personnellement, j'attends encore de comprendre où veut en venir ce scénario.

John Huston filme un monde délabré d'handicapés mentaux et sociaux. Les personnages sont déliquescents, les maisons s'effritent, les rues pissent la misère, les voitures suintent et couinent. Un monde qui s'écroule où seule la religion est donnée comme planche de salut. Or, il s'avère qu'elle est peut-être le moteur le plus actif de cette dégénérescence, aussi éclatée que les frontières mentales de cette pauvre engeance. Elle apparait aussi vieille et moisie que cette société racornie, abandonnée aux mauvaises herbes. Huston filme une société américaine déchue, aux rides aussi profondes qu'encrassées, où le sentiment religieux est perverti par un cynisme marchand. In God we trust. C'est assez schématique comme analyse, j'en conviens, ne m'en veuillez pas trop, je ne peux pas faire mieux.

Je note que je n'ai pas tout compris du film. Je me demande même ce qui a pu passer par la tête de John Huston quant à certains personnages, à certains morceaux de musique burlesque complètement loufoques et hors de propos.

Bref, je suis aussi paumé que les personnages et je me suis un peu ennuyé.

Trombi:
Brad Dourif:

Dan Shor:

Harry Dean Stanton:

Amy Wright:

Mary Nell Santacroce:

John Huston:

Ned Beatty:

William Hickey:

Faites sauter la banque

2011-11-11T14:54:00.003+01:00

1963
Alias: Rob the Bank

Cinéaste:Jean Girault
Comédiens:Louis De Funès -Yvonne Clech -Jean-Pierre Marielle -Anne Doat -George Wilson

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Dans ma cinémathèque personnelle, il y a pas mal de petits films, souvent décriés -voire pire... oubliés- et que j'adore voir et revoir pour des raisons diverses. "Faites sauter la banque" est de ceux-là, un film de Jean Girault, un réalisateur que j'aurais toutes les peines du monde à qualifier d'artiste. Je m'interrogerais même sur la légitimité de l'appeler "artisan". Non, clairement, j'aurais du mal à nourrir quelque admiration pour ce type. C'est peut-être injuste. J'en sais rien, je ne connais pas assez le bonhomme. Toutefois, l'inverse est aussi vrai : je ne le déteste pas non plus. Je ne le connais pas et cela me convient bien finalement.

Or, il se trouve qu'il est le réalisateur de cette adorable petite comédie familiale qui ne paye pas de mine et propose un divertissement très réussi, à mon sens, à la fois paisible et riant, équilibré et bien joué à quelque exception près. Je le placerais volontiers dans la famille des petites comédies françaises qui, à l'époque de leur sortie, ne devaient pas attirer l'œil mais ont su avec le temps se faire une petite place au soleil. Des comédies à deux balles, il s'en tournait à la pelle jadis, dont beaucoup paraissent aujourd'hui poussiéreuse, voire irrémédiablement crétines.

Comme "Poisson d'avril" de Grangier que j'aime beaucoup également, "Faites sauter la banque" est toujours propre et net, malgré les revoyures et le gouffre du temps qui est passé. Toujours aussi dynamique et bien structuré, le scénario est très bien foutu, classique certes, mais parfaitement huilé. Le mécanisme fonctionne encore sans anicroche. L'unité de lieu garantit peut-être une certaine sécurité et donne à l'action un bon rythme essentiel au genre. Mais cela ne suffit pas à expliquer la bonne tenue de l'ensemble. Le montage assure aussi par ailleurs le tempo.

Et plus encore, le film trouve dans sa distribution de joyeux lurons qui font bien plus que le boulot.
Le "jeune" Louis de Funès

est déjà au meilleur de sa forme, dans l'extraordinaire, le sublime, l'excellence de l'art comique. Je suis amoureux de sa justesse, de son impeccable capacité à épouser le rythme de la comédie, toujours millimétrique à tomber. C'est un plaisir constant en tant que spectateur : il n'y a pas la moindre faute, la plus petite fausse note dans son jeu.

Pour l'accompagner les seconds rôles ne manquent pas.
La belle voix de Jean-Pierre Marielle

est un délice. Il n'a pas encore sa grande gueule, cette envergure souriante, mais une espèce de regard que j'oserais qualifier de "lagaffien". Oui, je trouve qu'il ressemble au premier Gaston Lagaffe, du temps des coupes courtes, des premiers dessins de Franquin, une insolence benoite dans le regard... Mais sa présence est déjà l'occasion de goûter une belle performance.
On pourrait dire la même chose de Georges Wilson

qui a une participation très remarquée.
Celle de Jean Lefebvre

est plus courte mais toujours sympathique.
L'habillage familial est peut-être un peu moins marquant. Yvonne Clech est efficace.

Michel Tureau est plutôt moyen.

Par contre, j'ai un faible pour le sourire et les grands yeux d'Anne Doat.

Seul acteur au jeu plutôt déplaisant, Jean Valmont

joue souvent très mal dans ce film mais, à sa décharge, c'était là son tout premier (la trouille des débutants?). Z'ont pas dû trouver de beau gosse plus mature, dommage. Il semble comme un intrus dans la troupe. Les scènes auxquelles il participe sonnent malheureusement très faux.

J'aime aussi ce film pour son décors fifties. Comme pour "Poisson d'avril", un film qui dessine parfaitement son époque sans grand fracas mais avec une subtilité qui m'émerveille toujours autant, j'adore revoir cette vieille France, totalement disparue aujourd'hui (et c'est heureux!), celle des "surprises parties",

des vieilles bagnoles ou bicyclettes, celle du temps des transistors. Mon regard se fait nostalgique, sans trop savoir pourquoi au juste. M'enfin, c'est là, un peu réconfortant, surtout très amusant, notamment ce décalage avec la société actuelle. Encore un de ces films qui témoignent d'une histoire, très ordinaire, mais toujours attendrissante et qui ne subsiste que dans les souvenirs ou quelques pages jaunies.

Mais bien entendu, le point fort de ce film reste la performance de Louis de Funès, prometteuse, ultra précise, jubilatoire.

Trombi:
Catherine Demongeot:

Claude Piéplu:

Alix Mahieux et Michel Dancourt:

Georges Adet (barbu) et Johnny Monteilhet (à droite toute):

Louis Viret, Nicole Chollet, Dominique Marcas et Florence Blot:

Yves Elliot, Louis Viret et André Badin:

Guy Grosso:

Jean Droze:

Myriam Michelson:

(à droite) Dominique Zardi et Henri Attal:

Max Desrau:

Colin Drake:

Philippe Dumat(une grande voix de doublage de mon enfance):

Robert Favart (au centre):

Nicole Vervil (non créditée sur imdb, c'est pô bien):

Superman II

2011-11-11T14:21:00.002+01:00

1980

Cinéaste:Richard Lester
Comédiens:Christopher Reeve -Gene Hackman -Terence Stamp -Margot Kidder -Ned Beatty -Jackie Cooper

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Vu en dvd

Quand j'étais mioche, je préférais ce 2e opus. Aujourd'hui, je ne sais pas ; je ne crois pas.

On dirait que les auteurs de ce 2e film ont entendu le type de critiques que j'avais mis en avant après avoir vu le premier "Superman", mais y ont répondu de façon trop brève.

A l'ethnocentrisme, les premières scènes à Paris semblent répondre et vouloir donner une étendue plus vaste, mais très vite les méchants extra-terrestres s'en viennent asseoir leur hégémonie sur toute la Terre... à la maison blanche.

De même qu'à l'asexualité benête du personnage, l'amourette avec Lois Lane parait dans un premier temps comme un démenti formel et implacable, or l'issue de cette idylle retourne le situation (mais pas à sec sur le capot d'une voiture au sortir du Macumba club 84 un samedi soir, non, non!) et sonne bel et bien le glas d'une sexualité pour Superman, condamné à la super-pogne pour l'éternité dans les recoins de son refuge arctique.

En fait, ce deuxième chapitre nous prouve par trois que Superman est et restera un être sans réelle substance, un imbécile intégral par obligation statutaire. On aura la même rengaine dans le "Spiderman" de Raimi (au moins à la fin du n°1) : le super-héros parce qu'il a de grandes responsabilités ne peut combiner "sauvetage de l'humanité" et "usage naturel de la bistouquette". Bien entendu pour comprendre cette absurdité, il ne faut pas oublier que cette mythologie s'adresse d'abord aux enfants et ensuite provient d'une culture encore très coincée du cul. Et on ne peut pas passer à travers, c'est une donnée inéluctable, qu'il faut accepter sinon l'on se retrouve un peu dans mon cas, le bec dans l'eau, à préférer Batman.

Donc on aurait pu espérer quelques améliorations mais l'espèce de sirupeux coule abondamment sur cette pellicule. Finalement, le rose de la chambre nuptiale que partagent Lois et Clark près des chutes du Niagara est à l'image de toute la charge kitchissime qui imprègne les rapports entre les personnages dans ce film. Il n'y a qu'à voir le romantisme à l'eau de rose qu'on nous sert quand les deux amoureux parviennent à baisouiller au pôle nord.

Et malheureusement, on ne trouvera aucun secours du côté des méchants dont la duplicité et la vilenie sont infamants de bêtise et de simplisme. Que vient faire là-dedans Terence Stamp? Mystère.

La réalisation de Richard Lester est tout juste correcte. On est loin de ressentir quelque chose d'ébouriffant, d'apprécier la maitrise voire la beauté du premier film. On voit là d'ailleurs la différence entre un bon réalisateur (Donner) et un quelconque (Lester).

Par conséquent, je peux dire avec un pointe d'amertume que le quasi quadra que je suis préfère le premier opus. Désagréable revirement. L'âge est souvent cruel.

Trombi:
Christopher Reeve:

Gene Hackman:

Margot Kidder:

Ned Beatty:

Jackie Cooper:

Sarah Douglas:

Jack O'Halloran:

Susannah York:

Clifton James et Peter Whitman:

E.G. Marshall et Jean-Pierre Cassel:

Marc McClure:

Anthony Milner et Richard Griffiths:

Pepper Martin:

Hadley Kay?

Divorzio all'italiana

2011-11-07T16:18:00.002+01:00

1961
Alias: Divorce à l'italienne
Alias: Divorce - Italian Style

Cinéaste:Pietro Germi
Comédiens:Marcello Mastroianni -Daniela Rocca -Stefania Sandrelli -Leopoldo Trieste

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Vu en salle (33e Cinémed)

Après être sorti de la salle Rabelais à Montpellier où l'on donnait "Séduite et abandonnée" à 10h dans le cadre du 33e Cinémed consacré à Pietro Germi, j'ai fait la queue pour retourner dans cette même salle pour ce "Divorce à l'italienne" dont la projection commençait à midi. Et c'est ainsi que j'en finis avec la rétrospective d'un cinéaste pour qui je me découvre peu à peu une profonde admiration.

Ce film traite exactement du même problème que dans "Séduite et abandonnée". On est encore une fois dans la Sicile de l'après guerre, il est encore question de l'honneur de la famille, de l'enfermement des hommes et des femmes dans un contrat social et religieux qui lie le couple, la famille à toute la société, système indéboulonnable dont l'indéfectibilité ne se résout que par la mort.

Pourtant on ne pourra trouver films plus différents. Autant le traitement de "Séduite et abandonnée" était très classique, une étude de mœurs qui suivait les déboires d'un père pour sauver l'honneur de la famille après que sa fille fût déshonorée par un malotru, autant ce "Divorce à l'italienne" est une comédie très ironique, molto corrosive qui cherche à montrer par l'absurde ce que ce système est capable de sécréter d'immoral, voire de criminel, chez des individus qui ne sont que des êtres humains tout à fait normaux, faits de désirs et de contradictions. C'est donc l'aliénation à l'image sociale de la famille qui pervertit les comportements et aboutit à pareille souffrance.

En dépit d'un sujet douloureux, Pietro Germi adopte là un ton résolument moqueur, plein de cet humour noir que la comédie italienne a su utiliser tant et tant de fois à bon escient pour critiquer les lamentables prisons mentales qui barraient l'horizon des italiens avant la libération des mœurs. Dieu que c'était dur! Et ces deux films, dans une large tessiture du plus aigu au plus grave, parviennent à rendre compte de réalités qui paraissent totalement crétines aujourd'hui et sans doute déjà à l'époque pour le Génois Germi.

Au delà de son sujet pittoresque et effrayant à la fois, ce film est une somptueuse composition scénaristique. Le narrateur est interprété de manière extraordinaire par Marcello Mastroianni.

Je peux même dire que cela fait partie de ses plus épatantes performances d'acteur. Il se trouve confronté à un amour puissant et sincère alors qu'il vit maritalement avec une femme qu'il n'aime plus. Comme le divorce est inenvisageable, il projette de tuer son épouse de la seule manière pour laquelle la société -et donc la Justice sicilienne- lui trouvera des circonstances atténuantes : en la prenant en flagrant délit d'adultère.

L'on suit donc les manigances de cet homme aveuglé par ses penchants pour la sublime Stefania Sandrelli.

Elle participe assez peu au film, mais sa beauté lumineuse suffit à comprendre le sort de Marcello Mastroianni

et par conséquent à compatir. L'horrible projet de cet homme apparait comme salutaire. Quand il lit une lettre de sa dulcinée qu'elle lui a adressé par inadvertance et qui était en fait destinée à ses parents, on ne peut s'empêcher de craindre le pire. Effectivement, le père de la jeune femme lit dans le même temps la lettre passionnée de sa fille pour un homme marié et l'on prend fait et cause pour le couple.

Sans doute l'incarnation ronde, plutôt comique de Mastroianni

peut expliquer cette sympathie naturelle pour le personnage. Les traits tirés, la moue boudeuse, les petits tics nerveux et la voix-off de l'acteur sont si charmants, le séducteur italien dans toute sa splendeur fait mouche dans le public. Gagné!

Il faut signaler encore une fois la très belle réalisation de Pietro Germi, les première scènes entre les deux tourtereaux sont magnifiques : Adam et Eve dans le jardin d'Eden. Décors et lumières donnent un spectacle d'une tendresse ravissante.

Au final, entre les acteurs, la mise en scène et la finesse d'écriture, on se retrouve avec un très beau film, un des meilleurs films de Germi. Pas étonnant qu'il reçut l'oscar du meilleur scénario et le Golden Globe du meilleur film!

Mini trombi:
Daniela Rocca:

Leopoldo Trieste:

Il conformista

2011-11-07T15:56:00.002+01:00

1970
Alias: Le conformiste
Alias: The conformist

Cinéaste:Bernardo Bertolucci
Comédiens:Stefania Sandrelli -Jean-Louis Trintignant -Gastone Moschin -Enzo Tarascio

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Vu en salle (33e Cinémed)

Comme ça, au débotté, si on me demandait ce que je pense de Bernardo Bertolucci, je répondrais que j'aime beaucoup, mais quand je me penche précisément sur sa filmographie, je me rends compte que beaucoup des films que j'ai vus m'ont laissé bizarrement indifférent.

Visuellement très beau, surtout dans une copie numérisée et nouvellement restaurée, ce qui nous a valu que Stefania Sandrelli,

qui présentait le film au 33e Cinémed, est restée tout le long de la projection et a donc pu profiter de cette magnifique photographie et des décors "Belle époque" qui placent le film indéniablement dans les objets à l'esthétique tout aussi travaillée que significative.

Il n'empêche... je n'ai jamais réussi à entrer en empathie, à comprendre tout à fait les personnages, notamment celui de Jean-Louis Trintignant.

Et à suite, celui de Dominique Sanda reste tellement éloigné que je peine à lui trouver une quelconque incarnation. Beaucoup de personnages ne demeurent à mes yeux que des marionnettes.

Seul être vivant, celui de la naïve Giulia (Stefania Sandrelli) manque cruellement d'épaisseur. Il n'est pas central, montre seulement la bêtise de la bourgeoisie face à l'obscurantisme fasciste.

Seul, Gastone Moschin m'aura donné pleine satisfaction. C'est un acteur qui trouve toujours un angle à son personnage qui le rend surprenant. Toujours de l'inattendu. C'est assez fascinant comme prouesse quand elle ne se dément pas.

J'ai beau bien connaître l'époque et l'histoire politique qui se joue pendant l'entre-deux-guerres, je crains de ne pas avoir tout compris. J'étais pourtant dans les meilleurs dispositions à tout entendre. Ma foi, ce n'est pas bien grave mais ça arrive de passer à côté. Peut-être fais-je une erreur de jugement? Mais j'ai comme l'impression que ça arrive plus que de coutume en ce moment. Peut-être ai-je de moins en moins de scrupules à me l'avouer?

Sedotta e abbandonata

2011-11-04T10:47:00.002+01:00

1964
Alias: Séduite et abandonnée
Alias: A Matter of Honor

Cinéaste:Pietro Germi
Comédiens:Saro Urzì -Aldo Puglisi -Stefania Sandrelli -Leopoldo Trieste -Lando Buzzanca -Paola Biggio

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Vu en salle (33e Cinémed)

De tous les films que j'ai vus avec Stefania Sandrelli, celui-ci est certainement où elle est la plus belle, la plus sensuelle.

Pourtant, le sujet et le cadre ne se prêtent guère à cet aspect. Elle joue une jeune fille séduite par le fiancé de sa sœur. Mais l'histoire se déroule dans une ville sicilienne et cela change tout. A cette époque et dans ce pays la question de l'honneur est centrale, plus importante que tout. L'individu y est écrasé par cette donnée fondamentale qui s'impose à tous.

Et le film décrit de manière très précise cette question d'honneur, cet enfermement social par lequel tous les membres d'une famille sont liés sans qu'ils aient la moindre possibilité de s'en défaire.

Police et Justice montrent leur impuissance, témoins de cet ordre des choses et incapables d'y donner une quelconque réponse. Les femmes sont les premières victimes de cette absurdité. Les enjeux de représentation font peser sur elles la plus grande part de culpabilité. C'est toujours d'elles que vient le déshonneur. Certes, parfois les hommes prennent un peu de leur part, mais quand ils sont jugés crétins ou cocus, les femmes finissent toujours pas être traitées de putains.

Germi décompose magnifiquement ces processus mentaux grâce à un scénario d'une rare lisibilité, d'une logique imparable. On est au bord de l'effet documentaire. Tous les éléments sont présents, clairs et nets, réalistes. Son art de la mise en scène est de très haute volée.

La direction d'acteurs permet à toute la troupe de créer des personnages crédibles. Si bien que la démarche des auteurs (Germi, Age & Scarpelli, etc.) est toujours parfaitement compréhensible. J'ai souvent cette image de l'artisan penché sur son minutieux labeur pour illustrer le sentiment d'avoir à faire avec un ouvrage finement exécuté, après un travail méticuleux par un professionnel compétent, rigoureux et sûr. C'est nettement le cas à la sortie de la salle.

Je loue les organisateurs d'ailleurs pour avoir proposé ce samedi matin la projection de ce film juste avant "Divorce à l'italienne", les deux films évoquant exactement le même problème sous deux angles totalement contraires.

Mais revenons à la troupe de comédiens que s'est adjoint Pietro Germi car ils offrent des prestations tellement remarquables!

Saro Urzi est un comédien dont la tête ne peut pas vous être inconnue, vous l'avez vu dans maints films ; les Français le connaissent au moins pour l'avoir vu aux côtés de Peppone dans les Don Camillo. On le retrouve souvent dans les films de Germi. Mais c'est dans ce film que l'on peut mesurer l'étendue de son talent. Un comédien qui a du coffre et une réjouissante sureté dans les effets. Toujours très juste, il avait pourtant de nombreux écueils à surmonter en jouant ce père sicilien prompt à la colère et à l'emportement. Mais jamais il n'en fait trop. Funambule formidable!

Face à lui, celle qui m'a immédiatement poussé à évoquer son irradiante beauté d'entrée de jeu en entamant cette chronique : Stefania Sandrelli

est tout bonnement sublissime. Alors qu'elle porte les vêtements noirs et sévères d'une jeune sicilienne, sa démarche, son déhanchement, la finesse de ses jambes, la courbe de sa nuque, la douceur de son regard timide ou fiévreux sont incendiaires. Bomba. Ahurissante de sexualité, on peine à croire les réticences d'Aldo Puglisi

à vouloir l'épouser. Ce dernier a également un visage connu ("La ragazza con la pistola", "Signore & signori", "Divorce à l'italienne", etc.). Il excelle ici à jouer le salopard fini.
On peut saluer aussi la présence de Leopoldo Trieste qu'on voit encore dans "Divorce à l'italienne", un gars que j'aime beaucoup depuis que je l'ai découvert dans "Le Sheik blanc" de Fellini.

Pour connaitre la culture sociale sicilienne, pour rencontrer d'excellents comédiens, pour prendre plaisir à "lire" cette histoire, pour Stefania Sandrelli, je vous recommande "Séduite et abandonnée".

Impressionen vom alten Marseiller Hafen (Vieux Port)

2011-11-04T10:33:00.002+01:00

1929
Alias: Marseille : Vieux Port

Cinéaste:László Moholy-Nagy

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Vu en salle (33e Cinémed)

Après la projection de "Fièvre" de Louis Delluc, la séance "Trésors de la cinémathèque de Paris" s'est poursuivie avec ce documentaire du Hongrois László Moholy-Nagy, que je ne connaissais que de nom pour son œuvre de photographe et non de cinéaste. Un visionnage avec musique directe grâce à la performance d'un pianiste dans la salle était une occasion rêvée d'entrer dans le monde de cet artiste.

Après avoir été plutôt déçu par la charge mélodramatique du film de Delluc, ce petite documentaire est apparu comme très rafraichissant. Le terme n'est peut-être pas le plus adéquat, tant le film s'attache à suivre à la trace la présence salissante des hommes dans ce Vieux Port de Marseille. On est presque tenté de mettre un "c" à la place du "t" dans "vieux port" tellement Moholy-Nagy passe une bonne partie du documentaire à filmer toutes les immondices que les habitants laissent s'agglutiner dans les rues. Ici on voit un gamin chier sur le trottoir, là un chaton grimpe une montagne de déchets, ailleurs une ruelle descendante laisse s'écouler une rigole d'eau de pluie entre deux "rives" de détritus.

Oh, bien entendu qu'il ne s'en contente pas ; il scrute les visages, les gestes du travailleur ou du chômeur, l'espèce de lente progression du jour sur les Marseillais, on suit les gestes du fondeur, des hommes qui discutent dans la rue, le sourire édentée d'une vieille dame, l'accablante passivité d'un mendiant, les ustensiles vendus au marché noir improvisé sur le trottoir, etc.

Voilà, Moholy-Nagy ne s'interdit rien pour présenter la réalité quotidienne des pauvres, des communs, du tout venant et passant dans les rues de Marseille. La carte postale retournée.

Mais le cinéaste filme cela avec une certaine science du cadrage et de la lumière, jouant des contrastes, accentuant les formes et les traits. Son montage très serré, nerveux, donne beaucoup d'intensité et de modernité.

Le tout parait présenter la réalité de ce Marseille d'août 1929 avec une acuité étonnante et pour tout dire plutôt belle. Oui, de cette énumération de plans scrutateurs des déchets, signes ou symptômes de l'activité humaine, entrecoupés de plans très larges, souvent en plongées sur le port et le fantastique capharnaüm des carrefours, places et rues sur-peuplées émergent un réalisme stupéfiant de lyrisme, une effervescence ainsi qu'une esthétique plus qu'ébouriffante.

Ce témoignage d'un passé très lointain le ranime avec force et le rapproche en quelque sorte du présent. Ce n'est pas sans susciter quelques émotions.

Fievre

2011-11-03T16:03:00.002+01:00

1921
Alias: Fièvre
Alias: La boue

Cinéaste:Louis Delluc
Comédiens:Edmond Van Daële -Gaston Modot -Yvonne Aurel -George Footit -Elena Sagrary -Ève Francis

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Vu en salle (33e Cinémed)

Dans le cadre du Cinémed, chaque année la Cinémathèque de Paris consacre une soirée à faire découvrir aux Montpellierains quelques "trésors" de son catalogue. Cette année, c'est la ville de Marseille qui est à l'honneur et sert de prétexte avec deux films rares, celui de Moholy-Nagy "Marseille, Vieux Port" et celui-ci, "Fièvre", aka "La boue", parce qu'il se déroule dans un bouge de la ville phocéenne.

Après une instructive introduction où l'on nous apprend que le premier titre, "La boue" a été censuré parce que trop péjoratif et immoral, qu'Eve Francis était la compagne de Louis Delluc et que cet artiste avait un large éventail d'occupations (théâtre, roman, scénario, réalisation, etc.), la projection put commencer avec l'accompagnement au piano d'un musicien dans la salle. C'était la première fois que je voyais un film dans ces conditions du temps du muet. Je n'ai pas assez d'oreille pour apprécier ce privilège à sa juste valeur.

Malheureusement, le film de Louis Delluc ne m'a pas plu. Il s'agit d'un mélodrame comme il s'en faisait beaucoup à l'époque.

Les compétences dramaturgiques de Delluc se font excessivement sentir : les effets de mise en scène sont parfois très lourds.
Eve Francis joue de façon grandiloquente. Elle n'est pas la seule mais chez elle, c'est peut-être le plus éclaboussant.
Les maquillages sont forcés, surlignés. Le trait est partout gras. L'histoire elle même n'est pas à l'économie, mais appuie sans arrêt ses éléments d'assise.

J'ai suivi ce film par conséquent en attendant une lueur, quelque chose qui pouvait justifier toute cette outrance, cette pompe, mais même la fin ne parait pas donner quelque raison à ce pathos manifeste. Symbolisme et caractérisation soulignés des personnages semblent avoir été les pièces maitresses de cette œuvre.

A mon grand désarroi (j'espérais découvrir un cinéaste avec enthousiasme), je suis resté insensible à cette rhétorique du geste.

L'immorale

2011-11-03T15:49:00.004+01:00

1967
Alias: Beaucoup trop pour un seul homme

Cinéaste:Pietro Germi
Comédiens:Ugo Tognazzi -Maria Grazia Carmassi -Stefania Sandrelli -Gigi Ballista -Sergio Fincato -Renée Longarini

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Vu en salle (33e Cinémed)

2e film du 33e Cinémed que je vois, un Pietro Germi en noir et blanc, très abimé, raturé, haché.

Lors du générique, mon sang ne fait qu'un tour : il annonce des acteurs de la Comédie Française! Un doublage, quelle horreur! Hé bien, coup de chatte, c'est assez rare pour le signaler : le doublage a été remarquablement joué! C'est passé en douceur, comme une lettre à la poste et j'ai pu oublier la VF.

On ne va pas faire la fine bouche, le film étant ce qu'on doit appeler une rareté, c'est déjà un grand privilège de pouvoir le voir sur grand écran. D'autant que c'est un bon film.

Prenons garde, il ne s'agit pas d'une comédie à proprement parler. Des aspects sont comiques, certes, mais le film est bel et bien plutôt une comédie de mœurs qui se penche sur quelque chose de très compliqué à définir. L'amour peut-il être partagé? Peut-on sincèrement aimer plusieurs femmes, avoir plusieurs foyers?

Alors bien sûr, le titre italien ("L'immorale") interpelle sur cette notion si changeante, la morale. Pour moi, le personnage joué par Ugo Tognazzi n'a strictement rien d'immoral, peut-être à la limite peut-on lui concéder quelque amoralité. Mais je ne suis pas du tout sûr.

Il est honnêtement et profondément amoureux de ses trois femmes, chérit réellement toute sa progéniture et c'est bien là son problème, cette incapacité à choisir. Il ne peut pas choisir ; il voudrait les réunir tous ; il ne le peut pas, bien entendu. C'est un homme compressé, par tout cet amour qui ne peut s'empêcher de donner jusqu'au bout.

Et à part la discussion à bâtons rompus avec le curé Gigi Ballista, éberlué mais somme toute oreille attentive et concernée et qui aboutit à quelques scènes souriantes, le film laisse apparaitre une profonde tristesse, légitime, née de la course folle que le pauvre homme mène pour satisfaire toutes ses familles. Conscient de faire souffrir l'amour propre de certaines de ses compagnes, il ne parvient jamais à se résoudre à les quitter. Cette impossibilité fige Ugo Tognazzi dans cette fuite en avant et le transforme en grosse boule de neige dévalant la montagne. Il ne faut pas être grand clerc pour deviner l'issue fatale.

Quoiqu'il en soit, la performance d'Ugo Tognazzi est époustouflante. Je pèse mes mots. Habitué à le voir jouer les fantasques, les vulgaires ou les cyniques, je découvre là une autre facette du comédien, dans un rôle peut-être plus profond que coutume.

Stefania Sandrelli, toute jeune mais déjà aguerrie, notamment dans le cinéma de Germi, est splendide, toute douceur, toute pureté, toute grâce.

Et je rencontre pour la première fois le magnifique visage de Renée Longarini, merveilleuse à tomber amoureux.

Le film de Pietro Germi est une belle invitation à la réflexion sur l'amour, l'investissement affectif. L'amour se partage-t-il? Voyez, rien d'immoral, mais un voyager introspectif très émouvant.

Carne Tremula

2011-11-03T15:16:00.002+01:00

1997
Alias: Carne trémula
Alias: Live Flesh
Alias: En chair et en os

Cinéaste:Pedro Almodóvar
Comédiens:Javier Bardem -Liberto Rabal -Francesca Neri -Ángela Molina -Penélope Cruz -Álex Angulo

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Vu en dvd

Je devrais arrêter de voir des films d'Almodovar : j'ai toujours les mêmes idées, les mêmes sentiments qui se jettent sur moi avec une furie toute espagnole! Je sens que je vais encore me répéter. Je devrais laisser un peu de temps avant le prochain, histoire de laisser maturer ce cinéma et avoir une vision un peu renouvelée.

M'enfin, bon, ça y est, j'en ai vu un autre et il est magnifique, encore une fois! Encore une fois, je suis abasourdi par cette histoire si bien ficelée, tellement tordue, mais pourtant tellement équilibrée avec ces personnages sirkiens qui ne sont pas tout d'un bloc, qui évoluent, qui murissent et sont capables de prendre des virages à 360°.

Encore une fois, les couleurs et les cadrages, les mouvements de caméra habillent le film avec une sureté qui émerveille. A propos de cette maitrise dans la mise en scène, j'ai envie d'y inclure la musique. Même si ici elle semble un peu plus hétérogène que d'habitude, la musique participe d'une certaine façon à la colorisation de l'ensemble, à sa mise en perspective. Je l'ai trouvée très expressive, bien coordonnée à l'action et très "esthétique" ou très proche des teintes du film. Je ne sais pas si je suis compréhensible. Moi même j'ai du mal à comprendre et donc à exprimer ce que je ressens dès lors qu'il s'agit de musique. Je l'ai trouvée très "physique", "visuelle", pas juste sonore. Bizarre que ça m'interpelle seulement maintenant car j'ai la pas si vague impression que c'est une caractéristique que j'aurais pu relever sur bien d'autres Almodovar. Ce gars-là sait choisir ses morceaux, comme des acteurs à part entière!

Comme il sait le faire avec ses comédiens. Je ne connaissais pas Liberto Rabal,

mais je le trouve très fort, avec des effets très pertinents. Bon, je passe sur Javier Bardem

tout aussi puissant et c'est une banalité de le dire : un méchant de grand acteur. J'aime beaucoup Angela Molina. Je suis un peu moins réceptif avec Francesca Neri.

Pourtant, elle joue plutôt bien certaines scènes difficiles. Mais pour l'ordinaire, je la trouve un peu trop... je ne sais pas... ordinaire peut-être? Angela Molina

est très efficace, très vraie dans les scènes du quotidien, et assez bonne également dans les séquences plus exigeantes. J'aime bien aussi José Sancho,

très sobre. Bref, j'adore à peu près tout le monde. Je ne sais pas pourquoi mais j'ai un petit faible pour les comédiens espagnols en règle générale.

Je sais d'ores et déjà, là, que je tartine, je le vois bien et tout ce charabia n'apporte pas grand chose, pour ne pas dire "rien", sur un film qui mérite bien plus. Plus je vois de films comme celui-là plus je me dis qu'Almodovar prend beaucoup de place dans mes cinémas. A coup sûr, je vais voir et revoir ses films et ils vont grandir avec moi. Je ne sais pas si c'est un hasard ou l'absence d'angle pour parler du film mais j'ai le sentiment que c'est un cinéma tellement riche que je me sens tout petit à côté. Comme un enfant pas en mesure de tout comprendre du monde des adultes. La richesse ne réside pas uniquement dans l'émotion mais touche aussi à l'intellect, à la culture également.

Pfff, il faudra que je revois ce film! J'ai loupé tellement! Je sens que c'est là, que je l'ai touché mais seulement du bout des doigts.
A consolider donc.

Trombi:
Penélope Cruz:

Álex Angulo::

Pilar Bardem :

Daniel Lanchas:

Captain America: The First Avenger

2011-11-03T14:37:00.003+01:00

2011

Cinéaste:Joe Johnston
Comédiens:Chris Evans -Hugo Weaving -Hayley Atwell -Tommy Lee Jones -Neal McDonough -Toby Jones

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Vu en dvd

Je n'ai pas été tendre, j'en conviens, avec "Green Lantern", mais je n'ai pas spécialement envie de l'être non plus avec celui-là. L'erreur qui est la mienne a été peut-être de le regarder juste après le médiocre "Green Lantern". J'en attendais la rescousse, le sauvetage de ma journée. Hé bien, je me suis tout autant emmerdé. Pas pour les mêmes raisons mais c'est pas loin.

Il y a peu de temps, j'ai revu le "Superman" de Donner où l'ultra nationalisme béât du super-héros m'a dégueulé sur les yeux. J'ai l'impression d'avoir une nouvelle fois subi ce type d'avanie. J'ai trouvé la trajectoire de ce "Captain America" totalement emmerdante, inintéressante au possible. La sur-témérité, le courage aveugle, cette inconscience ou cette imbécilité, fatigante à force d'être irréelle et surfaite, me pompent l'air.

Ensuite, la teinte rousse du film, un peu jaunie, ainsi que les scènes d'action contre les nazis rappellent un peu les aventures d'Indiana Jones, mais sans l'humour nécessaire et le sens du spectacle de Spielberg pour donner de la hauteur et de la fraicheur à l'ouvrage. Ici les personnages sont imbéciles, trop carrés, trop simples, secs de nuances et de véracité. Le ton devient alors presque mélodramatique dans les rapports entre les individus qui n'aboutissent jamais à produire un spectacle un tant soit peu réaliste, convaincant. On ne croit ni à la progression des personnages trop linéaires et monolithiques, ni à leurs relations entre eux, factices, désincarnées, barbaracartlandiennes. Des trous du cul à qui l'on voudrait mettre des claques pour qu'ils arrêtent de balancer leurs platitudes et se mettent à vivre enfin comme de vrais gens, avec de la densité autour. Tout cela sent la naphtaline et le plastique.

Les quelques effets spéciaux sont pas trop mal fichus. On regrette cependant quelques outrances qui ternissent parfois la tenue générale du film. La numérisation de beaucoup de scènes est un poil trop visible pour vous ôter l'envie d'applaudir, mais rien de dramatique non plus.

Outre la participation de Hugo Weaving

pour jouer Red Skull et qui parait obligatoire tant l'acteur a la gueule de l'emploi, je retiens dans la distribution... en fait, personne. Pas même Tommy Lee Jones venu cachetonner.

Oui, bon, à la décharge des acteurs, on leur a mis dans les pattes un scénario pas loin d'être affligeant.

Trombi:
Chris Evans:

Hayley Atwell:

Sebastian Stan:

Dominic Cooper:

Stanley Tucci:

Richard Armitage:

Samuel L. Jackson:

Toby Jones:

Neal McDonough, Derek Luke et Bruno Ricci:

Kenneth Choi et JJ Feild:

Michael Brandon:

Natalie Dormer:

Damon Driver:

David Bradley:

Amici miei

2011-11-02T14:31:00.002+01:00

1975
Alias: My Friends
Alias: Mes chers amis

Cinéaste:Mario Monicelli
Comédiens:Gastone Moschin -Philippe Noiret -Ugo Tognazzi -Duilio Del Prete

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Vu en salle (33e Cinémed)

Mon premier de la série de films que je vais aller voir au 33e Cinémed. Cette année est consacrée entre autres à Pietro Germi. Quelle bonne idée! D'autant que le cinéaste n'a pas la place qui lui est due. Un peu trop méconnus, ses films en dvd français sont trop peu nombreux. Aussi, découvrir une plus large palette de ce cinéaste sur grand écran est-il un privilège que je savoure à sa juste valeur et sans sobriété.

Or, pour mon premier Germi de la semaine, je vais voir... un Monicelli! Pas si bizarre bien entendu quand on sait que le film a été écrit en grande partie par Pietro Germi -même si Leonardo Benvenuti, Piero De Bernardi et Tullio Pinelli ont co-signé le scénario- et devait être réalisé par Germi. Mais trop fatigué par la maladie, se sentant incapable, il a demandé à son ami Mario Monicelli de le tourner pour lui. On ne peut se soustraire à cette belle histoire d'amitié car les premières lettres du générique nous la rappellent en indiquant d'abord "Un film di Pietro Germi" et en concluant par "Regia di Mario Monicelli". Voilà tout est dit! Et que le spectacle commence!

Tout de suite, on est accueilli par le personnage de Philippe Noiret et sa voix italienne en off qui commente sa petite vie, en disant que tout le monde l'appelle "Perozzi" tant et tant de fois qu'il ne se souvient plus de son prénom. Cette astuce narrative est à l'image de tout le film, finement ciselée, aboutie, maligne. Elle représente bien le magnifique travail d'écriture de l'équipe citée plus haut.

Et bien entendu, elle illustre à merveille cet humour mélancolique, désenchanté, quelque peu vindicatif à l'égard de l'absurdité de l'existence. On est loin de l'Italie ensoleillée. L'histoire se déroule essentiellement en hiver, il pleut, il y a du brouillard souvent, on est bien couvert, les villes sont un peu grises. Le sourire est caché, il faut aller le chercher avec conviction.

C'est par Perozzi qu'on rencontre peu à peu les autres personnages, les acolytes, les "amis", les copains de farces-et-attrape, Gastone Moschin, Ugo Tognazzi et Duilio Del Prete. Viendra s'intégrer à la bande de freluquets quinquas Adolfo Celi.

Gastone Moschin a ma préférence. Sa tête d'ahuri amoureux transi rappelle le personnage qu'il interprète déjà dans "Signore & signori", un être malhabile avec ses élans et la sincérité de ses sentiments.

Adolfo Celi en toubib faussement froid, assez autoritaire est formidable de duplicité.

Ces 5 zigotos ont passé l'âge des fariboles et blagues de potache et pourtant ils s'en délectent encore et encore, comme de sales petits morveux, ou plus sûrement comme on s'accroche à une bouée de sauvetage. La vie est triste, morne, suffisamment emmerdante comme ça au naturel pour qu'on s'y construise des îlots de survie, des histoires et des rires pour respirer.

On suit ces aventures où se développe une espèce de philosophie de vie de chandelles brûlées par les deux bouts, malgré tout, malgré la connerie de leurs enfants coincés dans une morale étriquée, des épouses pas toujours consentantes, et malgré surtout les aléas de la vie pas toujours heureux. On rit beaucoup, et puis comme il s'agit d'une comédie italienne, la tristesse n'est jamais très loin et se rappelle aux mauvais souvenirs des personnages. Comme un Monicelli qui se défenestre pour faire la nique à sa maladie et sa vieillesse, les personnages sourient face à la mort, coûte que coûte.
Et nous, spectateurs, sommes obligés d'applaudir.

Mini trombi:
Bernard Blier:

Olga Karlatos: